Ulises Castellanos

Pete Souza, el fotógrafo de Frank Underwood

Frank Underwood bajo la mirada de Pete Souza

Por Ulises Castellanos

Pete Souza es quizá el mejor fotógrafo que pueda presumir cualquier casa presidencial. Souza trabajó ocho años con Barack Obama, como su jefe de fotografía y fotógrafo personal. De hecho ya viene su nuevo libro, "Obama: Un retrato íntimo", que será publicado el próximo 7 de noviembre de 2017. 

En sus inicios, Souza se desempeñó como profesor de fotoperiodismo en la Universidad de Ohio; trabajó también para el Chicago Tribune y fue freelance para National Geographic. Esta semana ha estado posteando fotos de Obama en claro contraste con lo que hace Trump cada día. 

Y para sorpresa de todos, fue contratado por Netflix para fotografiar al personaje de Frank Underwood que encarna Kevin Spacey, subiendo imágenes a su cuenta de Instagram en una deliciosa mezcla entre verdad y ficción. Por cierto, el próximo martes 30 de mayo la serie original de 'House o Cards' regresa a la multiplataforma digital con su quinta temporada. 

Pero es Pete Souza quien anda por ahí haciendo las imágenes de este fabuloso personaje. Una de las imágenes que ha posteado Souza, es precisamente la que encabeza esta columna y que retrata a Kevin Spacey en el papel de “Presidente” en el asiento trasero de la “Bestia”, mientras recorre los alrededores de la Casa Blanca. 

Sorprende como en Estados Unidos, se puede lidiar con esto, sin que nadie se desgarre las vestiduras; Souza trabajó con el primer presidente negro de su país y quizá uno de los más populares, mientras que al mismo tiempo puede jugar a ser el fotógrafo de un presidente ficticio, que representa lo peor de la política en Washington y no pasa nada. 

El estilo de Pete Souza ha sido imitado en varios países, sin lograr el impacto que tuvo deseado; Pete se caracterizó por fotografiar y difundir imágenes del Presidente Obama desde la intimidad, ya fuera con sus hijas, esposa o mascotas, con un estilo estético de primera; imagine si esto se quisiera replicar en Los Pinos. 

No olvidemos que Souza cuenta con una formación profesional como fotoperiodista, y que cubrió historias alrededor de todo el mundo. Por ejemplo, después del 11 de septiembre de 2001, fue uno de los primeros periodistas en documentar la caída de Kabul, en Afganistán, después de cruzar a caballo las montañas Hindu Kush para entrar a esa zona. Y créanme, no era nada fácil entrar a territorio Talibán en aquellos tiempos. Sus fotografías también han sido publicadas en Life, Fortune, Newsweek o New York Times entre otros. 

Aunque es claro, que la mayoría lo conoce ahora, por su estupendo trabajo en la Casa Blanca. Y es precisamente éste antecedente el que también lo pone en la mira de los medios en el contexto polarizado que ahora vive su país a partir de la llegada de Trump al poder. 

Resulta que Souza ahora juega con una ironía inteligente y sutil desde Instagram, donde compara visualmente a Obama en relación siempre, con lo que mediáticamente le sucede a Trump. 

Por ejemplo, ahora que Melania despreció la mano de Trump llegando a Israel, apenas unas horas después Souza subió una imagen donde el expresidente Barack Obama está con su esposa y se les ve cariñosamente tomados de la mano en marzo de 2015. Retando así la memoria colectiva y contrastando ambos personajes. Sus imágenes en Instagram rebasan los 225,000 likes y cuenta con cerca de un millón y medio de seguidores. Síganlo en @petesouza y verán de que les hablo. 

Souza tiene hoy 62 años, nació un 31 de diciembre de 1954 en Massachusetts, y es hoy por hoy el fotógrafo presidencial que mejor entendió la fuerza de la imagen ligada al poder, y el poder de la imagen ligado a un personaje único como el propio expresidente Barack Obama. 

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 27 de Mayo de 2017

Stanley Green

Stanley retratado por Sarah Shatz

Por Ulises Castellanos

Ayer murió uno de los fotógrafos documentales más reconocidos del mundo, Stanley Green, fundador de la agencia Noor, nacido en Nueva York en 1949. Tenía 68 años y falleció en París. Cuando era adolescente, fue miembro de las Panteras Negras y un duro activista contra la guerra de Vietnam. 

A Stanley Green lo conocí primero por su trabajo en Chechenia y por lo que hizo como corresponsal de guerra en la extinta Unión Soviética que cubrió al menos durante una década. Stanley aprendió del célebre fotógrafo Eugene Smith y debutó con imágenes del movimiento punk en San Francisco a principios de los setenta. Se mudó a París en 1986 y tuve la oportunidad de conocerle en persona en Perpignan en el Festival de Fotoperiodismo de aquella ciudad cuando todavía estaba en la agencia francesa Vu. Charlar con él fue un aprendizaje. 

Trabajó para Liberation, Paris Match, Time, The New York Times, Newsweek, y Le Nouvel Observateur, entre otros, siempre enviando imágenes desde Afganistán, India, Darfur, Sudán, Ruanda o Irak. Pero es en Chechenia (1994-2003) donde desarrolló uno de sus mejores trabajos, de ahí surgió el libro “Herida Abierta: Chechenia” donde documentó una década de guerra civil. 

Después de publicar ese libro viajó a los Estados Unidos para cubrir el desastre del huracán Katrina en Nueva Orleans. En 2007 fundó la agencia Noor, y es en la presentación de aquella nueva aventura que lo vi por última vez en Los Angeles, en el marco de un seminario organizado por la agencia Seven, y fue allí que en un acto fraterno, James Nachtwey, Christopher Morris, y Ron Haviv junto con el resto del equipo de Seven, le dieron espacio a Stanley para presentar lo que sería de alguna manera también su competencia. 

Hoy la agencia Noor tiene 12 fotógrafos y cuenta con más de 50 clientes en todo el planeta. Aquí su sitio noorimages.com Stanley siempre vestía de negro, usaba anillos en casi todo los dedos de las manos, bufanda oscura y morral con el mínimo equipo. Era un tipo sencillo, siempre curioso, amable y respetuoso de los demás. Nunca tenía prisa, y ajeno a polémicas se dedicó a viajar por las rutas menos conocidas del periodismo occidental. 

Su principal mercado siempre fue Europa, sus imágenes casi siempre en blanco y negro, eran fuertes, contundentes donde el ser humano siempre era el centro de su atención. Las presentaba con alto contraste, resaltaba los detalles y el sentimiento de sus personajes. Tenía un estilo propio. Stanley recibió numerosos reconocimientos, incluyendo el Premio Visa de Oro (2016), el Premio W. Eugene Smith (2004), y cinco premios World Press Photo. Su última aparición pública fue este año en Amsterdam, en el marco del World Press Photo 2017. 

PD. Esta semana nos dejó también el querido Felipe Eherenberg, abrazo a la familia.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 20 de Mayo de 2017

13 Razones para morir

Por Ulises Castellanos

Si usted no ha visto la serie, no siga leyendo. Una fotografía viral, el robo de un poema y una fiesta en la que Hannah Baker es violada, son parte de los motivos por los que nuestro personaje se quita la vida. Jay Asher es el autor de 13 razones, la novela para adolescentes que se publicó originalmente en 2007 y que hace algunas semanas Netflix estrenó a nivel mundial. 

Asher nació en 1975 y tiene una hija que ahora ronda los 17. Su libro es Best Seller con más de 3 millones de copias vendidas en los Estado Unidos. Todo comienza con un primer beso y una foto casual capturada con celular. Es precisamente esta última imagen la que desata una espiral de pesadilla para el personaje de Hannah. Justin, el autor de esa foto la muestra a sus amigos y éstos la viralizan. Casete uno, lado A. 

La narrativa de esta serie es fascinante, las razones de Hannah Baker las graba ella misma en siete cintas, que son la clave para descubrir por qué decide suicidarse. 

Más allá de la polémica que plantea la serie. Creo que quien produce y comunica historias, debe tener un alto sentido ético y de responsabilidad; todo creativo debiera imponerse a los paradigmas del dinero fácil, darle la vuelta al mercado que apela a las preferencias más básicas de la audiencia. 

Un creativo no debería pervertir su talento produciendo narco series, como las que hoy inundan la televisión latinoamericana. En dicho sentido, el guión de esta serie es un alivio. 13 razones, es una historia original que condensa inocencia, acoso, burla, bullyng, prejuicios, soledad y abuso en un espacio estudiantil. Ambiente en el que nadie parece notar que cada pequeña acción u omisión, afecta a todos y llevará a la protagonista a cortarse las venas. 

Aunque la serie no es una gran producción, ni tiene una fotografía memorable, el recurso narrativo que contextualiza la historia, es genial. La paleta de colores en tiempo presente, es de un gris invernal, que se yuxtapone con lo que se refiere al pasado inmediato, bajo una cromática que cambia a colores más vivos, mucho más cercanos a la primavera o al verano que a ninguna otra temporada, y ambos tiempos narrativos se mezclan a la perfección. 

Adicionalmente mientras ocurre la metanoia de Clay Jensen, (el chico que escucha las cintas); él camina por los pasillos donde aparece Hannah a través de un recurso visual muy original. La serie puede que arranque lenta, pero sube de tono y atrapa. 

Si no somos conscientes de la responsabilidad social de quienes estamos en medios profesionales, no podemos quejarnos de la sociedad en la que vivimos. 

Las nuevas tecnologías y su alcance global, deben ser vistos como enormes ventanas de oportunidad para producir contenido que mejore nuestro entendimiento del mundo. Las series de televisión o el cine no deben ser concebidos como simples pretextos para el negocio, deben aportar y buscar una mejor visión del mundo. 

Así lo apuntó hace tiempo el cineasta británico David Puttnam: “Los nuevos medios son mucho más que entretenimiento”, “sirven para reforzar o socavar la mayoría de los valores más extendidos de la sociedad”. 

Esta serie deja una fuerte reflexión para todos aquellos que piensan que sus acciones son triviales, inofensivas o que no afectan a nadie; grave error, todo cuenta. Puttnam sentencia: “Si fracasamos en el uso responsable y creativo de estos medios, si los tratamos banalmente como industrias de consumo, más que como complejos fenómenos culturales que son, es muy probable, que estemos dañando de manera irreversible la salud y vitalidad de nuestra sociedad”. 

El éxito de esta serie, confirma que si aceptamos el compromiso de enfrentar los retos de nuestro tiempo, no sólo ganaremos en el terreno comercial, sino que adicionalmente estaremos contribuyendo a construir una mejor sociedad; y en eso radica también, el poder de la imagen y sus nuevas narrativas. Si usted tiene hijos adolescentes, no se la pierda. #NoLoOlvides  

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 13 de Mayo de 2017

Nuevo plagio. Más mentiras.

Imagen original de Mary Ellen Mark y la mentira de Datta

Por Ulises Castellanos

Esta semana conocimos de una nuevo fraude cometido por un fotógrafo que le mintió a las fundaciones y a medios internacionales en general. Su nombre es Souvid Datta y el primero que lo denunció fue Michael Zhang en PetaPixel. 

Souvid Datta nació en 1990 en Bombay, India, y se fue a vivir a Londres desde niño. Cuentan que desarrolló su trabajo entre el periodismo visual y lo relacionado a justicia social. Estudió Derecho, tiene 27 años y ha trabajado en Europa, África, América Central y en China. Publicó como freelance en TIME, The Guardian, The New York Times y Vice entre otros. 

Pues bien, este fotógrafo emergente acaba de dinamitar su carrera para siempre, por esa torpe necedad de buscar atajos en la vida que los lleve a la gloria; no por su talento, ni por su mirada, sino usando su habilidad para mentir, como antes lo hicieron Brian Walsky, Jorge López Viera, Narciso Contreras y Steve McCurry, por mencionar sólo algunos de los que ahora me vienen a la mente. 

Souvid Datta, “agregó” una imagen de Mary Ellen Mark a una fotografía suya tomada en Calcuta, hace cuatro años; su foto es de 2013 y el burdo pegote corresponde a una imagen tomada en 1978 por Ellen Mark, fallecida en 2015. 

La última beca que había ganado este señor fue la que le otorgó la Fundación Alexia quien ha sido durante mucho tiempo líder en ayudar a fotógrafos para desarrollar sus proyectos documentales. 

Pues uno de sus beneficiarios el señor Souvid Datta quien recibió la Beca de Excelencia justo en 2013, acompañado de su respectivo estimulo económico, finalmente admitió en la revista Time que manipuló muchas de imágenes y robó las de otros, incorporándolas a las suyas a través de photoshop. 

Es por todo lo anterior que la junta directiva de aquella Fundación anunció hace unas horas que ha quitado las imágenes de Datta de su sitio web y agrega que “no se volverán a publicar”. 

¿Cuándo terminaremos de conocer estos casos lamentables convertidos en mentiras mediáticas? ¿Qué pasa con la ética profesional? ¿Dónde quedan los conceptos básicos de honestidad e integridad profesional? ¿No entienden estos sujetos, que cada vez que mienten, no solo acaban con su prestigio, sino que adicionalmente afectan la confianza del público en el trabajo de todos y lo que se publica en medios? 

Lo insólito además, es que Souvid Datta, admite en la revista Time que “maquilló” varias imágenes. Y que esa manipulación no fue la única. Ahora confiesa que hay otras que también fueron alteradas “usando técnicas de post-producción”, y agrega que "se apropió de fotos" de colegas como Daniele Volpe y Hazel Thompson; y en todos los casos mintió para ocultar sus acciones. 

A pregunta expresa del Time alega que cuando lo hizo rondaba los 23 años de edad y que siempre “imitaba tontamente las imágenes”. Confiesa en esa entrevista que “no sabía nada sobre ética” dice que un día se encontró con el trabajo de Mary Ellen Mark y que al ver las similitudes con su trabajo, decidió “combinarlas” a manera de experimento. 

Bueno, y así se disculpa párrafo tras párrafo, sumando cinismo a su mentira. La entrevista no tiene desperdicio. Remata con una joya: “me mantengo alejado de la manipulación, a menos que el cliente lo solicite con fines comerciales”. Wow.  

Y ya para cerrar, esta misma semana Daniele Volpe, fotógrafo guatemalteco, se anima y nos cuenta en facebook, que hace unos meses detectó que el señor Datta también le había robado un par de fotos y que aquel decidió pasar como suyas en sus propias redes sociales. En su momento subestimó el tema, hoy lo denuncia también. Conclusión: jamás debemos pasar por alto el más mínimo intento de mentira. Jamás. Mentir mucho o poco es lo mismo. Es mentir a secas. 

Datta ha recibido premios y dinero de organizaciones como el Centro Pulitzer, Getty y Magnum. También está previsto como lo señala el sitio de PetaPixel para que aparezca en el reality "Masters of Photography" de este año en el Reino Unido; aunque seguro, ya estarán editando la serie.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 6 de Mayo de 2017

PHotoEspaña, 20 Años

Andrea sobre la Discoteca La Madelon, 2016 © Teresa Margolles

Por Ulises Castellanos

En cosa de un mes arranca la vigésima edición del mejor Festival europeo de Fotografía allá en España. Son 20 años ya, los que va a cumplir este encuentro en 2018 y desde este año arrancan los festejos. 

PHotoEspaña es un ejemplo de encuentro plural, dinámico y bien armado, que se basa en el profesionalismo de quien lo hace posible: los organizadores, los fotógrafos y sus patrocinadores; pero sobre todo, en su capacidad de convocatoria en el contexto de una industria fotográfica profesional que ya quisiéramos tener en México. 

Claude Bussac, quien hoy dirige La Fábrica, pero que durante años fue la incansable directora de PHotoEspaña, sigue sorprendiendo con su vitalidad y oferta visual para hacer de esta próxima cita, un encuentro ineludible con la imagen. 

Quienes han seguido esta columna, saben que no sólo soy fan de este Festival, sino que desde hace poco más de diez años he colaborado con ellos desde distintas trincheras y en diferentes ediciones, siempre aprendiendo de mis colegas europeos, así que no esperen objetividad en esta entrega. Me encanta PHotoEspaña.   

La celebración del 20 Aniversario, va desde este 2017 en el que se celebra su vigésima edición y hasta 2018 que es el aniversario de su fundación, y claramente es una oportunidad para celebrar con fotógrafos de todo el mundo, la posibilidad del diálogo visual y el aprendizaje fraterno. 

Vienen varias exposiciones, conferencias, visionados y talleres; pero aquí destaco una actividad a la que no deben faltar; la talentosa fotógrafa española Isabel Muñoz presentará su obra, pero adicionalmente dará un Máster Class gratuito el próximo martes 16 de mayo en el Centro de Arte Alcobendas y obvio, no se lo pueden perder.   

En este aniversario, PHotoEspaña revisa el pasado y lo que se perfila como el futuro posible de la imagen. A lo largo de casi tres meses, éste festival presenta colegas consagrados a lado de jóvenes emergentes. Es decir, suma miradas y enriquece el diálogo permanente en torno a lo visual. 

Además este año el festival ha dado al gran fotógrafo Alberto García Alix, Premio Nacional de Fotografía (1999), “carta blanca” para que programe algunas de las exposiciones del festival; serán seis y se presentarán en el Círculo de Bellas Artes, el Museo del Romanticismo, y un laboratorio editorial que se celebrará en la Tabacalera. 

Entre los artistas seleccionados se encuentra la mexicana Teresa Margolles de quien tomo una imagen para esta columna. Adicionalmente PHotoEspaña lanza de nuevo una oportunidad para presentar proyectos fotográficos, que serán expuestos en la sala El Águila. 

La convocatoria todavía está abierta y busca: “Hacer”, “Hablar”, “Escuchar” y “Estar” con la fotografía. Su objetivo según los organizadores “es servir de plataforma para dar visibilidad y difusión a proyectos de autores o colectivos emergentes”. Para quien esté interesado en participar, debe enviar su dossier digital con su Cv, descripción de proyecto, características del montaje y sus imágenes, antes del próximo miércoles 10 de mayo a coordinacion@phe.es 

PHotoEspaña, nació en 1998 con un propósito: “mostrar al público la obra de los mejores fotógrafos y artistas visuales internacionales y convertirse anualmente en una cita que sirviera de punto de reflexión y encuentro en torno a la fotografía, así como en una plataforma para jóvenes creadores”. 

Y hoy, a 20 años de su creación, ha cumplido a cabalidad con la misión que se propuso. 

La próxima edición de PHotoEspaña tendrá lugar en Madrid del 31 de mayo al 27 de agosto de 2017. 

En promedio, cada año lo visitan casi 800 mil personas. Así que vayan reservando su viaje para este verano.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 29 de Abril de 2017

La postal del derrumbe

La Humillación de Javier Duarte

Por Ulises Castellanos

El jueves pasado, la portada de El Universal publicó la mejor foto del patético ex gobernador Javier Duarte, hoy preso en Guatemala. La imagen es de Luis Cortés, fotógrafo del diario desde 2005 y su imagen sintetiza la humillación de la que ahora es sujeto este personaje. 

La mentira y la corrupción, nos guste o no, son parte de la conducta humana contemporánea a nivel global y configura las relaciones de trabajo y política de hoy en día; y es en ese contexto, que esta imagen es demoledora. 

Esta fotografía resume la caída de un corrupto, es la postal del derrumbe; Duarte cae a la salida de su audiencia, en medio del caos en el piso de una camioneta policíaca, adaptada como jaula móvil, sin que nadie le ayude.  

Apenas en su segunda aparición pública desde el arresto, su sonrisa desaparece; la mirada extraña que le vimos hace una semana ha quedado en el olvido; en esta foto se puede ver su desgracia, su vulnerabilidad, la pérdida de Poder pues. 

Javier Duarte es el rostro de la mentira y la corrupción encarnadas, -recordemos su última entrevista con Loret- éste sujeto miente cada segundo, ha sido su forma de vida, porque su capital “relacional”, sus amigos y sus familiares no lo notan, así se vinculan; por eso mintió desde el primer día que gobernó Veracruz y quizá desde antes; recordemos que una de las principales razones para mentir surge de la necesidad de salvaguardar las verdaderas intenciones de nuestra conducta frente a los demás, y así lo hizo Duarte, mintió para tener ventajas efímeras. 

Es por ello que esta foto es fascinante, porque destruye esa falsa imagen construida por años en complicidad con su esposa, familiares y amigos. 

En el caso de Duarte, la principal razón para mentir, era robar, salvar la vergüenza y evitar el deterioro de su reputación. Pero todo ello ha quedado sepultado en un instante, con esta imagen. Luis Cortés hace una foto insólita, y canaliza la ansiedad de venganza de los mexicanos, cuando la justicia ya no es suficiente.  

Esta imagen retrata a un personaje que siempre despreció al periodismo y a los periodistas. Que poco o nada hizo frente a los asesinatos de colegas en su estado. Toleró un ambiente de impunidad, que cobró la vida de muchos veracruzanos. 

Duarte presuntamente desvió a su favor, miles de millones de pesos en menos de seis años y en esta foto no trae sobre su cuerpo más de un mes de salario mínimo en ropa, un pantalón de mezclilla viejo, unos zapatos cafés horribles, una camisa a cuadros que obvio ya no le queda; y quizá lo más caro que porta sea el chaleco antibalas que le prestó la policía guatemalteca. 

Sintetizar en una imagen el derrumbe público de un personaje, nunca ha sido fácil; por eso esta foto es perfecta; quizá ayuda el contexto de que este circo sea en Guatemala, que como podemos ver, no son especialmente cuidadosos en el protocolo de traslado de sus reos. A Javier Duarte lo prepararon desde 2008, fueron años para cocinar a este Nosferatu de la política jarocha y es en ese entorno, que nos cuentan que su esposa fue el cerebro financiero de mucho de lo que hizo Duarte. Dejó a Veracruz quebrado. 

Duarte quedó huérfano el mismo día de su cumpleaños, un 19 de septiembre de 1985, a los doce años de edad, cuando su padre murió aquella mañana trágica del terremoto en el derrumbe del Hotel Regis; quizá ahí arranca la primer página de su desgracia personal. 

Al paso de los años, cuando parecía que la vida se enderezaba, entro a la Universidad Iberoamericana y selló su destino, ahí conoció a Karime Macías, la madre de sus hijos y la misma que escribió en su diario el tema de la “abundancia”; hoy la amorosa y desinteresada mujer, abandonó a Javier a su suerte. Dicen que anda en Europa.  

Ojalá, algún buen escritor mexicano se anime a escribir pronto la biografía de este sujeto y sus historias de horror. Por lo menos, ese hipotético libro ya tiene imagen de portada y es ésta, la foto que tomó Luis Cortés.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 22 de Abril de 2017

Daniel Berehulak, nuevo Pulitzer

Imagen de Daniel Berehulak, en Manila

Por Ulises Castellanos

Pocos premios internacionales son tan reconocidos como el Pulitzer que otorga la Universidad de Columbia y que ahora además cumple un siglo de existencia, desde que lo entregaron por primera vez en 1917. 

Este año lo ganó de nuevo Daniel Berehulak, fotoperiodista australiano, trotamundos, que vivió en Londres en 2005, para luego mudarse a Nueva Delhi en 2009, y que ahora curiosamente esta radicado en nuestro país, concretamente aquí en la Ciudad de México. 

Pues resulta que este enorme profesional acaba de ganar por segunda ocasión el Pulitzer - ya lo había recibido también en el 2015 - y en esta ocasión lo obtuvo con un estupendo trabajo mucho más cercano a la nota roja que a cualquier otro género, derivado de la despiadada guerra contra las drogas y el narcotráfico que ahora encara Filipinas bajo el régimen del Presidente Rodrigo Duterte y que este fotógrafo documentó durante un periodo de 2016. 

Apenas en diciembre pasado el The New York Times publicó su trabajo con casi 20 imágenes sobre el tema. Daniel Berehulak recorrió y registró con su cámara, asesinatos, ejecuciones y crímenes que se viven día con día en calles de Manila. 

Aunque claramente nuestro país no está lejos de la situación en Filipinas; el trabajo de Berehulak es impresionante por su mirada, su estética y su limpieza visual. 

Las imágenes de Daniel hay que decirlo, son crudas, pero también demuestran respeto y profesionalismo sobre cada una de las historias que le tocó registrar. 

Berehulak ganó el Pulitzer 2017 en la categoría Breaking News Photography, por la increíble tenacidad de su trabajo en Manila, una ciudad en donde el promedio de asesinatos rebasa los 55 muertos por mes derivado del tráfico ilegal de drogas. Este fotoperiodista cuenta que lo que experimentó en Filipinas, es algo que no se puede comparar a sus coberturas en Afganistán, Pakistán, Irak o África. Sin embargo, Daniel lamenta que diariamente las calles de Manila estén cubiertas por cadáveres y violencia cotidiana. 

Berehulak es un fotógrafo independiente que conoce más de 60 países en los que ha trabajado desde la guerra en Irak, pasando por el juicio a Hussein, el trabajo infantil en la India o las elecciones en Afganistán. Así como las secuelas del Tsunami de Japón y el desastre de Chernobyl. 

Como verán, tiene enorme experiencia en los infiernos globales. 

El trabajo de Daniel Berehulak, su estética, su profundidad y el manejo de su narrativa visual nos devuelve la esperanza en la fotografía documental y periodística como un reflejo contundente de lo que nos acontece como sociedad. Cuando Joseph Pulitzer creó estos premios, lo hizo con la convicción de estimular la excelencia en todas su categorías, y ahora que celebran sus primeros 100 años desde la creación de este Premio; no olvidemos que fue en 1942 cuando se concedió por primera vez en la categoría de fotografía bajo el contexto de la Segunda Guerra Mundial. 

Así las cosas, vaya un fuerte abrazo al admirado Daniel Berehulak, hijo de padres inmigrantes, y que ha decidido viajar con su mirada alrededor del mundo, identificando los peores territorios de la humanidad. Daniel no solo repite el Pulitzer, sino que ha sido ganador también en distintas categorías del World Press Photo, en las ediciones de 2008, 2011, 2013, 2016 y 2017. 

Para los que quieran saber más de Daniel, independientemente de que cualquier día se lo pueden topar echando tacos de pastor en el Tizoncito de la Condesa; también pueden asomarse a su cuenta de Twitter en @berehulak o en Instagram como @danielberehulak en donde ya cuenta con 118 mil segudores y en donde podrán ver sus últimas dos imágenes tomadas en México, una que parece ser desde alguna azotea de la delegación Cuahutémoc y la más reciente en donde retrata a Norma Jiménez Osorio, una de las mujeres que presuntamente fueron agredidas sexualmente por la policía mexiquense hace una década en San Salvador Atenco. 

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 15 de Abril de 2017

Trasatlántica

Por Ulises Castellanos

En 2009, la querida Claude Bussac entonces directora de PHotoEspaña me invitó como visionador de Trasatlántica a una de sus primeras ediciones en Sao Paulo, Brasil, a finales de aquel año. Fue una experiencia profesional rica y vital para mí. En aquel encuentro conocimos a varios fotógrafos y colectivos latinoamericanos con un talento sobresaliente. Hace algunos años participé también en otra edición de Trasatlántica que se llevó a cabo en México. 

Ahora este foro va para sus primeros 10 años como referente en fotografía y artes visuales para toda Iberoamérica. Trasatlántica ha estado presente en 14 países, dando oportunidad a más de 400 fotógrafos para presentar sus proyectos a poco más de 160 críticos, editores y expertos en la materia a lo largo de esta primer década.   



Trasatlántica nace del festival PHotoEspaña allá en el lejano 2008 y este fin de semana se materializa con dos sesiones de revisión de portafolios, de nuevo allá en Sao Paulo. Los 20 seleccionados para esta edición optarán por el premio Descubrimientos 2018, y adicionalmente el ganador contará con una exposición individual en la Sección Oficial de PHotoEspaña para 2019. Este esfuerzo comunitario convoca a lo mejor de ambos continentes, con un enfoque iberoamericano muy claro, y se reafirma como un escaparate para fotógrafos emergentes y para los que ya cuentan trabajo consolidado.



Según los organizadores, Trasatlántica hace visible todo el poder creativo de la fotografía en un “continente en efervescencia” y que se manifiesta como una herramienta eficaz para contar nuestras historias.



En la muestra Confluencias que también se presenta en Brasil, participan: Eunice Adorno, Gilvan Barreto, Tatewaki Nio, (autor de la foto de esta columna); Andrés Durán, Dolores Medel, Lorena Noblecilla y Victor Zea; entre varios más. Sin duda la variedad de miradas, enriquece dicho encuentro. 

Esta expo demuestra como “la fotografía documental convive con la fotografía escenificada y la fotografía de archivo con la denominada post fotografía”.
 Para esta revisión de trabajos allá en Brasil, Trasatlántica cuenta con Claude Bussac, directora general de La Fábrica; Bia Bittencourt, directora de la Feria Plana de Brasil; Ronaldo Enlter, investigador, docente y crítico de fotografía; Juliana Okuda, asistente técnica de la gerencia de Artes Visuales y Tecnología del Sesc de Sao Paulo y Ana Morales, directora de producción y programas de La Fábrica. Vaya pues desde México, un abrazo a los amigos de PhotoEspaña y una felicitación adelantada por la edición número 20 de su maravilloso Festival en Madrid. Suerte a todos los participantes.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 8 de Abril de 2017

El Nirvana

Eje Central, un espacio para la imagen

Por Ulises Castellanos

La semana pasada les conté sobre la génesis del diario metropolitano El Centro fundado en 2007 y los detalles sobre la construcción de su equipo de foto. 

Como lo mencioné en la columna anterior, a todo proyecto periodístico lo define básicamente sus productos editoriales, y es por ello que ahora les cuento de los espacios dedicados a la imagen en aquella redacción. 

Desde la primer semana en circulación, le destinamos a las páginas centrales del diario, la sección fotográfica Eje Central, se trataba de un espacio que los miércoles estaba dedicado a la fotografía con ensayos e historias visuales que cada fotógrafo proponía o se le asignaba desde la coordinación de foto. En aquel espacio publicamos la historia de una teibolera, los 50 años de la Torre Latino y el danzón en la ciudadela, entre otros temas.  

Para finales de 2007, y gracias al apoyo decidido de la dirección del diario, se puso en circulación el suplemento semanal de foto llamado En la Mira que durante 44 semanas presentó lo mejor de la producción de aquel staff en combinación con colaboradores externos como Gregory Colbert, Narciso Contreras, Héctor García, Francisco Mata y Federico Gama; y en donde también se publicó lo mejor de PHotoEspaña y los 15 años de la revista Cuartoscuro. 

Dicho suplemento tenía como característica adicional, que cada edición contaba con la colaboración de diversas plumas, debutando con Fabrizio Mejía sobre tribus urbanas, Edgardo Bermejo desde China, o Laura Emilia Pacheco, Ana Clavel y Elizabeth Romero entre muchos otros. 

La Mirada de Cuéllar, era una página semanal que rescataba los mejores retratos del archivo fotográfico de Rogelio Cuéllar, quien cuenta con el mejor acervo visual conocido en México sobre intelectuales y artistas como Carlos Monsiváis, Vicente Leñero, Octavio Paz, Carlos Fuentes, Toledo, José Luis Cuevas, Gabriel Macotela, Elena Poniatowska y José Emilio Pacheco entre muchísimos otros. Esta página también ofrecía una breve historia de cuando la imagen había sido tomada.  

Con la finalidad de rescatar un viejo género que alguna vez el diario La Jornada había hecho propio, La Callejera fue un espacio cotidiano en las páginas del diario donde intentábamos fotografiar nuestra ciudad fuera de las imágenes clásicas. 

A este último esfuerzo se sumó una página semanal, llamada Historias de la Ciudad, que reunía con cuatro o cinco imágenes y un breve texto, una pequeña historia que le ponía rostro a temas de la urbe. Y cuando cumplimos el primer año, en un hecho insólito en la prensa mexicana, el diario le dedicó el 90% de su espacio a un enorme suplemento fotográfico de los mejor del año a nivel nacional e internacional. 

Los lectores de El Centro recibieron así un ejemplar de colección para recordar lo que nos había sucedido a través de la memoria colectiva con el trabajo de todos los fotógrafos del diario. Simultáneamente se preparó la primer exposición fotográfica del diario, en aquel febrero de 2008. Y aunque el origen de esta columna se dio en otro espacio, en aquel diario se publicaron 100 entregas bajo este mismo título, en las que registramos detalles y datos sobre fotoperiodismo, exposiciones y novedades editoriales en torno a la imagen. 

Con esta columna cierro este sencillo recuerdo de lo que fue aquel diario, a diez años de su fundación, en donde debo señalar también, que conocí a muchos de mis ahora entrañables amigos y con quienes compartí enormes experiencias. 

Saludo desde aquí a varios de ellos, amigos y colegas de aquella redacción tan disfuncional y divertida: Sheila Amador, Gabriel Pérez Osorio, Omar Fierro, Raymundo Sánchez, Adrián Castillo, Jorge Guzmán, Héctor Zamarrón, Julián Andrade, Daniela Pastrana, Esteban Gutiérrez, Ana Francisca Vega, Risco, Carlos Díaz Barriga, Mael Vallejo, José Luis Tapia, Elena Michel, Hilda García, Julio Aguilar y Fernando Montoya entre muchos, muchos otros colegas de aquel entonces. Tan Tan.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 1 de Abril de 2017

El Centro

Los fotógrafos de El Centro

Por Ulises Castellanos

Se cumple una década del nacimiento de un diario que murió prematuramente a los 20 meses de su primer número publicado en marzo de 2007; se llamaba El Centro y lo editaba Notmusa. Tuvo dos directores, los periodistas Miguel Castillo y Salvador Camarena, al primero le tocó abrirlo y al segundo cerrarlo.

Yo fui su editor de foto desde la fundación hasta casi la última de sus 583 ediciones, la memorable portada de cierre genialmente cabeceada Nos cargó el payaso.

En París, recibí un correo breve: “hay un nuevo proyecto en México, regrésate”, era septiembre de 2006, cinco meses más tarde estábamos circulando. Alejandro Gómez entonces director de Récord y directivo de aquel grupo editorial, me encargó la definición del área de fotografía.

Tuve libertad total para seleccionar al equipo de trabajo, por lo que busqué a los mejores profesionales que consideré entonces. La idea del diario era novedosa, ofrecía una nueva opción tabloide 100% en color, con una calidad de impresión fenomenal, sobre la base de un papel finlandés importado.

El diseño y la fotografía serían de vanguardia porque incorporaba una navegación para las nuevas generaciones acostumbradas al internet, a la imagen y las infografías. En su primer año obtuvo el mayor número de premios que otorga la SND (Society News Design) a un diario mexicano.

Hoy en día, varios tabloides nacionales replican el estilo de diseño que planteó El Centro. Pocas veces se tiene la oportunidad de trabajar desde la gestación de un nuevo proyecto editorial. Así que el reto fue intenso. Al arranque había que hacer la lista del equipo humano. Mi cocina en Coyoacán, fue testigo de varios nombres que se manejaron para llegar al número final de diez fotógrafos que trabajaríamos para el diario. Seleccionar al equipo con quien trabajas, siempre será un privilegio y agradezco la confianza de todos los que aceptaron integrarse. 

El perfil era claro, profesionales con talento, pasión y disciplina. La alineación combinaba juventud, experiencia y reconocimiento; sin perder capacidad de propuesta e iniciativa personal. Así fue como se integró el equipo fundador: Eunice Adorno, la más joven de todos con 24 años de edad; Eduardo Jiménez, fotógrafo emergente en esos años, Karina Tejada, guerrerense e inquebrantable; Óscar Estévez quien rondaba los 30 años, rebelde, insatisfecho y provocador; tristemente fallecido en octubre de 2008. Su recuerdo siempre me acompaña. 

También se integraron Mónica González; Ernesto Ramírez y el maestro Rogelio Cuéllar, sin duda el más veterano del equipo. Para la nota roja invitamos a Juan Vázquez y como co-editor tomó el cargo Dayan Jiménez. Juntos planeamos el estilo y algunas de las secciones que más adelante cobrarían vida en el diario. 

Los fotógrafos eran responsables también de proponer enfoques originales que cumplieran con los objetivos visuales del diario, el retrato de una ciudad del siglo XXI y de una sociedad plural. Mi coordinación se caracterizó también por estar cerca de los intereses profesionales de cada uno de los integrantes del equipo. 

Por ejemplo, mantener cerca del ámbito cultural a Rogelio Cuéllar; Ernesto y Mónica atentos al acontecer político. Combinando así los intereses profesionales y legítimos de cada fotógrafo, con los intereses de la empresa periodística que los contrató. A todo proyecto periodístico lo definen fundamentalmente sus productos editoriales, sus colaboradores, y el menú de sus temas. 

En lo que toca al espacio visual del diario, se presentaron varios productos relacionados con la imagen. 

La próxima semana les platicaré de aquellos espacios que se generaron. La aventura del diario terminó en octubre de 2008 con aquella portada original, ácida y certera: Nos cargó el payaso, pero fue muy divertido.

Columna publicada originalmente en el diario El Universal el 25 de Marzo de 2017