Ulises Castellanos

Daniel Aguilar

CLICK EL OJO OPORTUNO

El próximo jueves serán entregados los Premios Nacionales de Periodismo 2006 a lo más destacado de nuestro gremio profesional en México. En fotografía, el galardonado fue Daniel Aguilar de la agencia Reuters. 

Daniel ha ganado ya tres veces esta distinción desde que el jurado es ciudadano y no gubernamental (2002, 2004 y 2006); además lleva dos premios del World Press Photo, entre otros reconocimientos, como su mención honorífica en el Premio Internacional Rey de España 2004 y otra mención de honor en el China International Press Photo 2005. 

Daniel Aguilar nació en 1971 y comenzó su carrera en 1989 trabajando para los díarios Excélsior y El Universal. En 1997 ingresó a Reuters para quien a realizado coberturas en Colombia, Haití, Venezuela, Cuba, Argentina y Estados Unidos. Destacan sus asignaciones en el golpe de Estado en Venezuela en 2002, la crisis política en Haití en 2004 y el conflicto social en Oaxaca, el año pasado. Con este último premio, Daniel ha impuesto un récord en acumulación de reconocimientos que se antoja difícil de superar para cualquier otro colega. 

Sin embargo, como él mismo lo dice, no se trabaja para buscar premios sino para cumplir con una pasión personal: el fotoperiodismo. Aguilar es un notable fotoperiodista y quizá hoy es el mejor de nuestra generación; es un profesional, sencillo y muy preciso a la hora de trabajar. 

Su cobertura en Oaxaca le valió este último premio, por su originalidad y sentido de la oportunidad. Hace tres semanas, cuando nos acompañó en una conferencia con los alumnos del Centro de Comunicación Visual del Pedregal, mostró parte de su trabajo, y recuerdo que un alumno de nuestra clase le preguntó si no sentía miedo en ciertas coberturas, a lo que respondió de inmediato y con toda naturalidad: ¿Miedo? Claro que sí, siempre tengo miedo; de hecho, soy muy miedoso. Pero lo primero es hacer la foto. 

Cabe mencionar que este nuevo galardón callará algunas voces de otros fotógrafos que desde la mediocridad y el anonimato han querido siempre manchar el nombre de Daniel, para ocultar sus propias carencias. Esto ya no es novedad; así pasa siempre cuando alguien destaca y ni modo. Digamos que es parte del éxito profesional. 

Daniel reúne las características de un buen fotorreportero: dominio de la técnica, talento visual, cultura general, información, capacidad de síntesis, determinación, entrega y una trayectora profesional impecable. 

Por cierto, felicidades también a nuestro compañero reportero Luis Guillermo Hernández por su premio en la categoría de Entrevista. Y un fuerte abrazo a todos los premiados.  

Fecha de publicación: 28 de abril de 2007 / El Centro

PULITZER

EL PULITZER PREMIA UN EJEMPLO DE COMPROMISO CON LA VIDA Y EL TRABAJO

Esta semana se dieron a conocer los premios Pulitzer 2007 a lo mejor del periodismo en los Estados Unidos. Este reconocimiento cumple 90 años de galardonar lo más destacado del ejercicio noticioso, dividido en diferentes categorías. 

En esta última edición Oded Bality, fotógrafo israelí de la agencia Associated Press y que ronda los 27 años de edad, se llevó el premio en la categoría de mejor foto de noticia. 

Se trata de una imagen captada en los territorios ocupados, en donde se ve a una mujer judía enfrentando sola a la policía israelí en el desalojo de Cisjordania. Imagen por cierto, que ya había ganado este mismo año el primer lugar en un rubro similar del World Press Photo. 

Por otro lado, en la categoría de fotorreportaje, destaca el premio obtenido por Renée C. Byer, del diario The Sacramento Bee (con más de 20 años de experiencia) y quien realizó un conmovedor reportaje gráfico sobre la historia de un niño con cáncer que lucha junto a su madre por sobrevivir a esta cruel enfermedad y que al final pierde su batalla por la vida. 

Sin duda, este último trabajo al que me refiero, cuenta con una tremenda fuerza narrativa. La serie consta de 40 imágenes en blanco y negro, que nos lleva por diferentes momentos en la vida de Derek Madsen de 10 años, quien pelea por su vida, mientras su madre lo acompaña en este viacrucis. 

En este reportaje podemos ver momentos de tristeza y solidaridad que cohabitan en un cuerpo frágil lleno de amor frente a lo inevitable. A lo largo de más de un año, la fotógrafa Renée C. Byer compartió día a día el dolor de esta familia; ella nos ofrece imágenes de ternura, de profunda intimidad con los protagonistas de esta tragedía; el dolor de la quimioterapia, los juegos, un abrazo eterno, el llanto de su madre a solas, las colectas para pagar el tratamiento, la terapia en el hospital y el ambiente durante el funeral. 

No se trata de una historia de muerte, sino todo lo contrario: es el relato de una lucha por la vida, acompañado por el amor incondicional de una madre, que también, de alguna manera, va muriendo junto a él. La imagen que acompaña esta columna fue tomada 10 días antes de la muerte del pequeño Derek, quien apenas alcanzó a llegar a los 11 años de edad, y que finalmente falleció en los brazos de su madre en mayo del año pasado. 

Cuando veo este tipo de trabajos, en donde el fotógrafo se compromete, se apasiona por una historia de vida y suma su talento al resultado final, me pregunto: ¿qué hace falta en nuestro país, para ver a los fotógrafos mexicanos con este tipo de propuestas? 

Fecha de publicación: 21 de abril 2007 / El Centro

La Maleta Mexicana

LOS NEGATIVOS DE CAPA

Sorpresa. Aparecen en México más de 3 mil negativos “perdidos” de Robert Capa. 54 años después de su trágica muerte en el frente de batalla, allá en Vietnam. Capa sigue siendo noticia. 

El hallazgo en nuestro país de esas 2 cajitas con 127 rollos, 70 años después de haber sido tomadas y hasta donde se sabe, medianamente bien conservados pese a todo, es insólito. Según lo cuenta Juan Villoro, ese pequeño tesoro fue entregado por manos anónimas en París al General mexicano Francisco Javier Aguilar González, entonces parte del cuerpo diplomático de nuestro país en aquellas tierras. 

Así comenzó la larga travesía de aquel material hasta llegar a México y que ahora es re-descubierto. El Maletín mexicano, como ya se le conoce a estas cajitas, contiene imágenes inéditas de Capa, David Seymor y Gerda Taro. Hoy se encuentra en Nueva York, en donde un equipo de especialistas se dará a la tarea de clasificar y ordenar dichos documentos para saber qué fue tomado por Capa. 

Al parecer casi todos los negativos documentan diversas escenas de la Guerra Civil Española. Capa sin duda representa el fotoperiodista puro, valiente, honesto, entregado al trabajo, informado y comprometido con las causas sociales. 

Nadie podría imaginar que en una fría tarde del invierno parisino de 1934, en el café Dome, tres hombres preparaban un proyecto colectivo de trabajo para crear una agencia de fotógrafos que cambiaría para siempre la visión del mundo a través de sus imágenes, y la relación de los medios con los fotógrafos. 

Ellos eran Henri Cartier-Bresson, el polaco David Seymour, y el húngaro André Friedman; 13 años más tarde, en abril de 1947, en el restaurante del MOMA de Nueva York, el proyecto se consolidó y nació la agencia Magnum. André Friedman cambió su nombre por el de Robert Capa. Y así surgió una leyenda: los fotógrafos de la Agencia Magnum. 

De Capa se pueden decir mil cosas, pero nunca que fue un fotógrafo pasivo. Ahí están los cuadros que tomó del desembarco en Normandía, en el mítico Día D. 

Me cuentan sobre su firme convicción de que un fotógrafo no sería nadie si no es dueño de sus propios negativos. Así las cosas, al fundar Magnum bajo ese código, Capa marcó un antes y un después en el tema de derechos de autor. 

El destino ha querido ser generoso y devolver a Capa, años después de su muerte, sus más valiosos negativos. Esperamos que pronto se presente ese material en México para conocer los detalles de ese invaluable tesoro. 

Fecha de publicación: 2 de febrero de 2008 / El Centro

El Síndrome

SÍNDROME DEL PANTANO EN LOS FOTOPERIODISTAS

¿Qué hacer cuando un fotógrafo profesional siente que ya no avanza, que todo se repite y que ya no crece? Apenas el sábado pasado planteábamos aquí mismo, uno de los temas básicos en lo que toca al desarrollo competente para cualquiera que pretenda ser fotoperiodista. Pero hoy hablaremos de los síntomas que se generan después de los primeros siete o diez años de trabajo contínuo.

En distintas ocasiones he presenciado los síntomas de este síndrome. Cansancio, irritabilidad, frustración, desidia y hartazgo. Vamos, no sólo lo he visto, yo mismo lo padecí hace ya muchos años y finalmente encontré la manera de superarlo.

Pero muchos otros no. Incluso conozco a gente immune a este síndrome.  

Esta crisis es una especie de mutación considerable, tras la cual se produce un empeoramiento o una mejoría en nuestro ámbito y desarrollo profesional. Dicha sensación sólo se supera remontando la idea de estancamiento, atacando el centro de la crisis con innovación y creatividad. No hay de otra. 

Cambiar de redacción o de trabajo no soluciona nada, porque la pesada loza de esta crisis nos persigue en cualquier coordenada. Sólo se resuelve de frente y con mucha serenidad. En cuanto percibimos dicho estancamiento (real o imaginario) en el desarrollo de nuestro trabajo se presenta una espantosa inestabilidad emocional que no permite tomar decisiones con claridad. 

¿Qué hacer entonces? Creo que, para empezar, dicho fenómeno sólo ataca a los fotoperiodistas creativos, para los que la rutina del periodismo los empieza a cansar. Pero primero que nada, aceptemos y reconozcamos que el trabajo es así y siempre lo será, ni modo. A veces es repetitivo y nada hay que hacer, salvo hacerlo y hacerlo bien siempre. 

Colateralmente, uno debe crear sus espacios de expresión y trascendencia, sin descuidar el eje de su trabajo. Ahí están las becas, exposiciones, libros y diversos espacios que acogen a la fotografía documental. Pero para llegar ahí se requiere una idea y un proyecto claro. 

Si se carece de esto, la crisis se agudiza y se torna en frustración. Periódicamente he visto, cómo a varios de mis colegas les pegó este fenómeno y la mitad lo ha resuelto muy bien, consolidando su nombre y proponiendo siempre cosas nuevas. 

Lamentablemente, la otra mitad ha terminado fuera del periodismo o en espacios que para nada resultan halagadores en la trayectoria de un fotoperiodista serio. Y esto se pone peor, cuando para justificar la cadena de decisiones equivocadas que tomaron, le terminan echando la culpa a medio mundo para eludir su responsabilidad. 

 Ojo. Este trabajo es de disciplina, talento y resistencia. Sin duda, un porcentaje nos afecta por factores externos, pero buena parte está en nosotros y en nuestra capacidad de autocrítica. No nos confundamos con la falsa esperanza de lo nuevo. En el fondo, lo mejor de nuestro trabajo está en el equilibrio de nuestra propia inteligencia emocional y firme convicción de ver para otros. 

 Fecha de publicación: 19 de enero de 2008 / El Centro

James Nachtwey

LOS FRENTES DE GUERRA DE JAMES NACHTWEY

¿Quién diablos es James Nachtwey? ¿Por qué un fotógrafo decide ir a todas las guerras posibles y asistir a la representación más cercana del infierno en la tierra? ¿Por gusto? ¿Por vocación? ¿Por qué o para qué? 

Hasta hoy, ninguna guerra ha cambiado su rumbo por la denuncia periodística, así venga de una foto o crónica en el frente de batalla. Nunca. 

Ya hace más de 60 años, el gran fotógrafo de Magnum, Robert Capa, nos demostró su valentía, talento y entrega, con las imágenes que registró arriesgando la vida, cuando el famoso desembarco en Normandía, durante la Segunda Guerra Mundial. 

Entonces, ¿qué motiva a ciertos fotógrafos para moverse al corazón de un conflicto? Justo mientras usted se asoma a esta columna, estaremos en Pasadena, California con todo el staff de la agencia Seven y ahí, entre otros temas, platicaremos al respecto, con el propio James Nachtwey y Ron Haviv. 

Hace seis años, cuando andaba en el festival de fotoperiodismo de Perpignan, tuve la oportunidad de ver por primera vez a Nachtwey, apenas unos días antes de los ataques a Nueva York. Él y otros seis fotógrafos presentaban en el salón de Congresos su proyecto de agencia. Recuerdo que en el marco de dicho evento, la nota era que Nachtwey había dejado Magnum para fundar Seven. 

La curiosidad y especulaciones no podían faltar. En los cafés y pasillos del encuentro las preguntas eran: ¿Le irá bien, tendrán futuro para competir con las grandes agencias? ¿Por qué lo hizo, si ya estaba en Magnum? Recuerdo claramente cómo en el piso destinado a los stands de agencias y revistas, mientras los espacios de Corbis, Magnum, VU, AFP, AP o Reuters, ocupaban metros y metros cuadrados con libros, pantallas de plasma y personal dedicado solo a la atención de profesionales; por ahí en uno de los pasillos, muy discreto en un espacio de dos por dos, estaba un hombre canoso, sereno y atento a unas imágenes, bajo el letrero improvisado de SEVEN. 

Era Nachtwey en su primer día como fundador y miembro de dicha agencia. Recién por la mañana habían dado una conferencia y hacían público su nuevo proyecto. 

Cinco días después, mientras algunos nos reponíamos de la fiesta de clausura y regersabamos a París para ver a los amigos y visitar las nuevas expos de Otoño, Nachtwey regresaba a Nueva York para dormir en su departamento de Brooklin la noche del lunes 10 de septiembre. Ocho horas más tarde, el mundo cambiaría para siempre con el atentado a las Torres Gemelas.

Y ahí ya estaba él. Cuando por primera vez, el frente de guerra no era Medio Oriente ni Bosnia. Cuando la guerra llegó a Manhattan y él salió como siempre a documentar el Infierno. 

Un dato más, en 2003, trabajando para Time en Bagdad, fue herido por una granada. Ese es Nachtwey. Para ver su trabajo, asómense a: http://www.jamesnachtwey.com/ 

Fecha de publicación: 3 de noviembre de 2007 / El Centro

China

45 MIRADAS EN CHINA, UN SOLO TERRITORIO: MÉXICO

El 9 de noviembre próximo se presenta en el Museo de Arte de Guangdong, la exposición fotográfica mexicana en Asia más ambiciosa en décadas y la primera organizada por la Fundación Meyer.

Son 450 fotografías que reflejan la diversidad y el talento de un grupo de fotógrafos que acudimos a la convocatoria del infatigable Pedro Meyer. 

En esta enorme muestra, los chinos podrán ver un México a color y blanco y negro, pasando por todos los matices creativos de la mirada mexicana. La exposición contiene trabajos de Yolanda Andrade, Patricia Aridjis, Nadia Baram, Gabriel Figueroa, Eniac Martínez, Francisco Mata, el propio Pedro Meyer, Fernando y Gerardo Montiel Klint, Pablo Ortiz Monasterio, Antonio Turok, Daniel Aguilar, Lizeth Arauz, Ana Casas, Susana Casarín, Gilberto Chen, David Corona, Federico Gama, José Carlo González, Eric Jervaise, Víctor Mendiola, Vida Yovanovich, Ernesto Ramírez y quien esto escribe, entre muchos otros. 

Cuando Meyer nos contó del proyecto, hace más de un año, éramos apenas un puñado de diez fotógrafos los que, en un principio, fuimos invitados. Al pasar algunos meses, Meyer nos pidió que cada uno propusiera al menos otros tres, con el fin de ampliar la muestra. 

Así, la lista creció a 45 y él y Francisco Mata se encargaron de la curaduría. 

A mediados de septiembre, se terminó la selección y se editó una presentación, misma que se proyectó en el Centro de la Imagen, con la presencia del señor Wang, director del Museo de Arte Chino, para ver el resultado. 

Y la verdad, creo que quedó sorprendido por el resultado final. Aquella noche, el señor Wang, pudo contemplar la diversidad cultural que tiene nuestro país. 

Aquella noche, todos compartimos un viaje visual por los rostros de nuestra gente, la arquitectura mexicana, las cárceles de Aridjis, los colores de Yolanda Andrade, la mirada de Nadia Baram con sus retratos de personajes chinos, la locura geométrica en la imágenes de Figueroa, la creatividad digital de Óscar Guzmán y sus paisajes imposibles. 

El estilo documentalista que domina esta selección corre por los ojos de Hernández Claire, Eniac Martínez y su Camino Real, Mata y su especial manera de atrapar el instante fugaz de la vida cotidiana; los retratos de Pedro Meyer, Turok y su ojo en el mundo indígena, la contundencia en los tiros de Daniel Aguilar, los enanos de Lizeth y la ciudad que sólo la sensibilidad de Ernesto Ramírez atrapa con su nervio óptico. 

En esta misma línea están las series de cholos de Federico Gama y los boxeadores de Víctor Mendiola. Por otro lado, están los Montiel Klint y la locura de sus obras, el manejo del color, la iluminación y un discurso ingenioso que refleja el talento de estos hermanos de sangre y oficio. 

Se trata de un esfuerzo enorme, de una iniciativa valiosa, plural y que además quedará impresa en un catálogo de primera que editarán en China y que recoge lo mejor de dicha expo. En nuestro país se puede ver ya todo el material en línea en: http://fundacionpedromeyer.com/china. 

Así que, si no tiene pensado ir a pasear por la Muralla China durante noviembre, al menos no se la pierda en su versión electrónica, porque el catálogo, literalmente estará en chino. 

 Fecha de publicación: 20 de octubre de 2007 / El Centro

TALENTOS

SEMILLERO DE TALENTOS

Bien por los fotógrafos de Guadalajara. El lunes pasado estuve por allá para continuar con el seminario de fotoperiodismo que se organizó en el Hospicio Cabañas. La próxima semana irán Alfredo Estrella, de la AFP, y Mónica González, fotoperiodista de nuestro diario.

El grupo que se conformó alrededor de esta nueva aventura en la capital tapatía lo constituyen en su mayoría fotógrafos profesionales de los diarios locales, como Mural, El Informador, y La Jornada de Jalisco, entre otros. Había también fotógrafos independientes y estudiantes que pronto se integrarán a los medios. 

Guadalajara siempre ha sido semillero de estupendos fotógrafos de prensa. Ahí están los ejemplos de Hernández Claire, Ignacio Mireles, Rafael del Río, Natalia Fregoso o Eva Becerra, quien se desempeña como parte del equipo de fotógrafos de Récord en aquella región y que es quizá ya una de las mejores fotógrafas de deportes que hay en México. 

Una vez más, el interior del país demuestra su empuje y ganas de proyectar su estilo y propuestas, generando territorios para la reflexión y el aprendizaje. Y ni que decir de su organización y espacios de difusión. 

Tan sólo, en la noche de anoche, se presentó la nueva agenda del grupo independiente RENDIJA, un singular equipo de tres fotógrafos inquietos y muy creativos, que desde hace más de seis años trabaja armando talleres y dinámicas para concretar sus proyectos, en los que además invitan cada año a decenas de fotógrafos radicados en otras latitudes. La agenda 2008 y la expo en la plaza de Zapopan son un ejemplo de tenacidad y organización que ya quisieramos tener en el DF. 

Por si lo anterior fuera poco, cuentan con galerías públicas, sobre el camellón de la avenida Chapultepec, que en verdad invitan a contemplar el talento que por allá se genera. Me cuentan que al menos cada dos meses, inauguran una nueva muestra. Este mes, por ejemplo, hay una retrospectiva de los fotógrafos becados por el Fonca. Ahí pude ver trabajos de David Corona, Mónica Cárdenas, Rafa del Río, Cuitláhuac Correa y Raúl Anaya (qepd), entre muchísmos otros, en una expo curada por Carlos Arriola. 

Así pues, en la tierra del tequila y los mariachis, en la ciudad donde se celebra la mejor feria del libro de nuestro país, en territorio de las Chivas, bajo las nubes que alguna vez contemplaron Rulfo y Arreola, en aquella tierra de artistas y mujeres en verdad hermosas, en la perla tapatía…los fotógrafos celebran con su ejemplo: carácter, creatividad, propuesta y honestidad. 

Es un territorio libre ya, por fin, de la sombra del engaño, que alguna vez, un tal Viera quiso sembrar. Por cierto, nos vemos hoy al medio día en el Franz Mayer, en las mesas de fotoperiodismo internacional, en el marco del World Press Photo. 

ALEXANDRA BOULAT

ALEXANDRA BOULAT, UNA MIRADA EN ESTADO LATENTE

Con enorme consternación me entero, por un par de colegas, de la triste noticia en torno a la salud de Alexandra Boulat, espléndida fotógrafa francesa y especialista en temas del Medio Oriente. 

Resulta que esta semana en Israel, Alexandra, quien se encontraba en medio de un trabajo periodístico sobre la siempre agitada situación de los palestinos en aquella zona, de pronto y sin mayor advertencia fue víctima de un aneurisma cerebral que la tiene en estado de coma en el hospital Hadassah de Jerusalén. 

Alexandra Boulat nació en París en 1962. Estudió arte gráfico e historia del arte en la escuela de Bellas Artes de París. Boulat fue representada diez años por la agencia Sipa Press hasta el año 2000. Es co-fundadora de la agencia Seven (2001). Sus imágenes, cobertura e historias se han publicado por todo el mundo a través de la revistas Time, Newsweek, National Geographic Magazine y Paris Match. 

Alexandra ha recibido varios premios internacionales, entre los que destacan el de la mejor fotógrafa mujer, (Italia, 2006) y el Overseas Press Club (2003). 

Alexandra es una entusiasta fotógrafa que con su cámara recorrió diversas ciudades y países alrededor del mundo. Cubrió la guerra civil en la ex-Yugoslavia, el conflicto israelí palestino, la Guerra en Irak durante la invasión norteamericana del 2003. 

En varias ocasiones visitó Afganistán y fue testigo de la caida de los talibanes en 2001. Pero quizá lo más sobresaliente a lo largo de su carrera ha sido el especial enfoque sobre la situación de la mujer en Medio Oriente. 

Su sensibilidad y tacto con las mujeres del Islam, es notorio en las historias que presenta y la intimidad que logra. Resulta contundente y conmovedora. 

A Alexandra la conocí en abril de 2006 en Los Angeles, en el marco del seminario de Seven, en aquella ocasión durante el cocktail de bienvenida intercambiamos algunos puntos de vista sobre el tema de las agencias y la manera de publicar en Europa a diferencia de lo que sucede en América. 

Se mostraba interesada por lo que sucedía en México en torno a lo electoral y la situación de los indígenas en nuestro país. Siempre gentil y atenta, coincidimos en las oficinas de Paris Match en el otoño del año pasado cuando editamos un número especial sobre México en Match du Monde. Alexandra es una mujer que seduce con la mirada. 

Por lo pronto, y hasta el momento de escribir esta columna, según los reportes que tengo de sus amigos en Jerusalén, la situación es la misma, los médicos valoran la posibilidad de una intervención quirúrgica, que evidentemente resultaría muy riesgosa por el sitio de la lesión y que es de pronóstico reservado. Ahora mismo, Alexandra duerme mientras nosotros deseamos que se recupere para poder seguir contando con ella y con su sensibilidad visual. 

Según me cuentan, está recibiendo el mejor cuidado neurológico disponible en Israel, en el hospital de Hadassah y los médicos harán las recomendaciones pertinentes para su cuidado futuro.  

Fecha de publicación: 30 de junio de 2007 / El Centro

Tunick

TUNICK DARÁ CUERPO A FOTO CON PIEL MEXICANA

Spencer Tunick, está en México. Y literalmente va a encuerar a miles de mexicanos. Una de las peores pesadillas que todos alguna vez hemos soñado, es la de vernos desnudos por la calle; y ahora este fotógrafo lo hará realidad en nuestro país con miles de entusiastas participantes.

Es una celebración a la libertad. 

Ya era tiempo de que México formara parte del itinerario artístico de este original fotógrafo norteamericano. Tunick, a sus 40 años, ha fotografiado a más de 50 mil personas desnudas en cerca de 18 países. Ciudades como Nueva York, Roma, Sao Paulo, Sidney, Caracas, Buenos Aires, Barcelona, Londres y próximamente Amsterdam, (después de su paso por México) son sus escenarios. 

Aquí se llevará a cabo este performance colectivo el 29 de abril y hasta el momento se han inscrito cerca de 4 mil participantes de todas las edades y tipos de piel. 

El récord de personas que han posado en una sola toma para Tunick se impuso en Barcelona con más de 7 mil cuerpos desnudos. El trabajo que realiza este magnífico artista de la lente, es una combinación de talento, arte y anarquía eficaz, que se traduce en una de las propuestas estéticas más universales de nuestro tiempo. 

Tunick arrancó está experiencia en 1992, con apenas 28 cuerpos desnudos en el marco de una protesta a las puertas del edificio de la ONU en Nueva York. 

Más adelante, en otro reto creativo, desnudó a unas modelos en Times Square, en dónde finalmente fue arrestado por la policía de Manhattan. Más allá del morbo que siempre despierta el cuerpo desnudo, la propuesta de Tunick plantea una especie de erotismo posmoderno que refleja, al mismo tiempo, la inocencia y vulnerabilidad del ser humano, al confrontar su desnudez con la arquitectura del paisaje urbano que lo rodea. Es una fusión muy provocativa. 

La idea es original, creativa y emocionante, y está muy lejos de ser considerada vulgar o pornográfica. El sitio en nuestro país para esta alfombra humana, se mantiene en reserva, pero se especula, que podría ser en Ciudad Universitaria, el Ángel de la Independencia o en las pirámides de Teotihuacán. 

Habrá que esperar cómo se define esta locación pero, en cualquier caso, el resultado lo podemos previsualizar: miles de cuerpos tendidos al sol, formando una textura de piel multicolor que confrontará el anonimato del espacio público de una manera absolutamente provocadora. 

Fecha de publicación: 31 de marzo de 2007 / El Centro

Fundación Meyer

UNA NUEVA INICIATIVA DEL INFATIGABLE PEDRO MEYER

Hoy contamos con una nueva alternativa para el desarrollo de la fotografía contemporánea en México. El jueves pasado se presentó en Coyoacán el esquema de la nueva Fundación Pedro Meyer. 

Esta es una de las mejores noticias en lo que va del año con respecto a esa plataforma de desarrollo que tanto necesita la fotografía en nuestro país. 

El maestro Pedro Meyer, polémico e incansable artista mexicano de la cámara, fundador del Consejo Mexicano de Fotografía, creador de la mundialmente conocida página Zone Zero y ahora presidente de la Fundación que lleva su nombre, ha tenido la brillante idea de impulsar esta nueva iniciativa. Como el propio Meyer lo cuenta, esta Fundación representa su compromiso personal con la comunidad que lo ayudó a realizarse en la vida como fotógrafo. 

Así pues, la Fundación es una manera de dar las gracias. A media semana visité a Meyer en su casa de Coyoacán, poco antes de que se diera a conocer públicamente los detalles de su nueva creación. Ahí, en la sala de su casa, platicamos sobre el origen y objetivos de su nueva Fundación. Amable y preciso, como siempre, Pedro me contaba entusiasmado sobre los alcances y planes que emprenderá de inmediato con este proyecto. 

Entre los objetivos de la Fundación Meyer, se plantea organizar el reconocimiento a la trayectoria de personas en el ámbito de la imagen fotográfica en México o en el extranjero. Se otorgarán becas para la realización de proyectos fotográficos que contribuyan en el área de la educación artística y tecnológica en México y en el extranjero. 

Y adelantó que el monto para este primer apoyo rondará los 20 mil dólares por proyecto. Asimismo, se prevé administrar, a través de la Fundación, toda clase de actividades académicas y culturales relacionadas con esta disciplina. 

Se fomentará el uso y la implementación de archivos fotográficos en línea de colecciones públicas y privadas. Se publicarán libros electrónicos de la obra fotográfica de artistas latinoamericanos. También se dará apoyo a exposiciones en diversos espacios museísticos de México y el extranjero. Y en lo que al sector académico se refiere, el Consejo de la Fundación tiene la tarea de organizar, promover, patrocinar y llevar a cabo cursos, seminarios, conferencias, foros, congresos y toda clase de actividades que puedan estar relacionadas con la fotografía. 

Por si lo anterior fuera poco, Meyer y su Consejo piensan elaborar, editar y publicar revistas, memorias, libros y videos. El Consejo de la Fundación está integrado por: Rubén Aguilar Monteverde, Pablo Meyer, Bruno Newman, Francisco Mata Rosas, Julieta Jiménez Cacho, Rogelio Villareal, Nadia Baram, Juan Manuel López Garduño, Rubén Aguilar Valenzuela y el propio Pedro Meyer.  

Fecha de publicación: 17 de marzo de 2007 / El Centro