Ulises Castellanos

Los Fotógrafos del Horror

Charla con fotógrafos de nota roja en el marco de los 90 años de La Prensa

Por Ulises Castellanos

Nada sintetiza mejor el horror de la muerte, que una buena toma, oportuna, fuerte, clara y contundente. Nadie lo hace mejor que los profesionales sobre el terreno, y esto a pesar de las redes sociales y los millones de celulares que circulan entre la población en general. 

Hoy los fotógrafos profesionales salen a diario con una mochila cargada de cámaras, lentes y harta adrenalina. 

Son fotógrafos de nota roja a los que les han roto los dientes, les han zumbado las balas o los han atropellado. Nada los detiene. Son los herederos de la mirada de Enrique Metinides, fotógrafo de esta misma casa editorial que transformó la fotografía de Nota Roja con todo su drama, en una auténtica obra de arte visual que ya cruza nuestras fronteras. 

Y así, mientras usted lee esto, alguien está por morir en las próximas horas. Él no lo sabe, pero ellos sí. Son los fotógrafos de La Prensa. Luis Barrera, es fotógrafo de este diario desde hace 30 años. Su primer orden fue asistir a los preparativos de la canonización de Juan Diego. 

Hoy son seis los fotógrafos de La Prensa especializados en Nota Roja. Sus nombres son: Rogelio Tinoco, Sergio Vázquez, Jaime Llera, David Deolarte, Luis Manuel Acevedo y Luis Barrera, y aquí conversamos con un par de ellos, el más veterano y uno de reciente ingreso. 

A Luis Barrera le pregunto: ¿Cómo has visto la evolución de la violencia en la Ciudad de México? ¿Qué ha cambiado de finales de los 80s a nuestros días, según tu experiencia? - “A mi todavía me tocó trabajar con el señor Enrique Metinides, le aprendí mucho, cubríamos desde la Cruz Roja, en la famosa ambulancia - (los fotógrafos que ocupaban esa ambulancia eran conocidos como los 11s)”. Barrera afirma que básicamente en aquel entonces cubrían muertos por choques de auto o asesinatos pasionales. 

Él mismo añade que desde el año 2000 hacía acá, los muertos los pone la delincuencia organizada, son los ejecutados, los secuestros o las balaceras, o las disputas por el tráfico de drogas lo que más azota a la ciudad y zona metropolitana. ¿Cuáles son las características para ser un buen fotógrafo de Nota Roja?, pregunto. Barrera responde sin titubear: “Pues para empezar hay que tener valor y que te guste mucho este trabajo. Sin embargo, los principales retos en nuestro desempeño son enfrentar la reacción de la gente frente a sus muertos, además de la renovada agresividad que ahora detentan los policías que no quieren que tomes nada de nada”. 

En el contexto contemporáneo, el desarrollar este trabajo bajo el acoso de las redes sociales, tiene ventajas y desventajas según el propio Barrera, por un lado te enteras pronto de los que sucede afuera, asesinatos o accidentes, pero al mismo tiempo, las fotos más frescas las tienen los testigos, víctimas o incluso rescatistas. Lo que afecta la oportunidad del trabajo para los profesionales. 

Sin embargo, se le puede dar la vuelta a esos retos, y para muestra, aquí la foto de Barrera, “El último beso”, imagen que fue portada hace un año en el diario y que se tomó en el corazón de Tepito, cuando un “halcón” ejecutado es besado por última vez por su novia aún ensangrentado. La imagen se tomó a ras de suelo y fue posible gracias al ojo de un profesional y años de experiencia, Barrera considera que ésta es su mejor foto en 30 años. 

Ahora bien, Luis Barrera dice que nada le ha provocado más tensión que quedar en medio de enfrentamientos y operativos policiacos alrededor de Tepito, porque siempre que hay granaderos o manifestantes, alguien saldrá herido. “Las balas me han zumbado los oídos en varias ocasiones”. “Me han llovido piedras, he caído de la moto, me han atropellado, también me han dado tubazos, tengo varios huesos rotos, me han descalabrado, me han tirado los dientes y hasta me he fracturado los dedos de los pies”. - Dice Barrera. “Lo más terrible que he visto, fue un accidente en carretera con saldo de 28 muertos, entre mujeres y niños, al caer un autobús en una barranca, allá por Oaxtepec.” Barrera ha sentido miedo pero jamás se ha derrumbado. Su mayor temor es llegar a una asignación, ver un muerto y que sea un familiar. 

Antes hacían guardias en el plaza de la Revolución, intervenían las frecuencias de la policía, cosa que hoy ya es muy difícil; pero ahora básicamente se organizan con otros colegas reporteros o incluso socorristas a través del whatsapp y así andan pendientes de la nota. Asegura que jamás ha faltado un sólo día a la chamba en tres décadas. Se casó a los 32, hoy ronda los 51 y tiene una hija de 15. Asegura que es feliz en este trabajo y que la Nota Roja nunca desaparecerá. 

David Deolarte, tiene un año en La Prensa pero seis en la OEM y casi 18 años como profesional. A David lo conozco desde que trabajó conmigo para la agencia Procesofoto a donde nos enviaba ya sus primeras postales del terror. Colaboró más tarde también con nosotros en el diario El Centro y ha trabajado también en otros medios. 

Es un fotógrafo de Nota Roja, puro y duro. David lo dice: “Todos los días salimos a buscar una foto cargados de adrenalina”. Deolarte empezó en el año 2000 cuando cerró un estudio de foto donde empezaba a trabajar, del estudio pasó a la ambulancia de los onces, la primer foto que vendió se la dio a la agencia EFE y fue derivado de un accidente de helicóptero que terminó en la portada de distintos medios. 

Coincide en que la violencia en la CDMX se ha recrudecido del 2000 para acá. “Antes teníamos más posibilidades de acercarnos a los muertos, la policía era más flexible, hasta los familiares te daban permiso de destapar a sus muertos y tomar un par de imágenes” Eso se acabó. “Hoy llegas hasta el cordón y los familiares andan muy agresivos, incluso te amenazan”, es el ambiente del crimen organizado que lo trastoca todo. 

“Al principio de mi carrera, era muy escaso fotografiar ejecutados o embolsados, hoy es lo de todos los días. Antes un ejecutado había sido asesinado de un balazo, hoy te los encuentras calcinados y con 20 tiros en el cuerpo”. David Deolarte afirma: “Una de las zonas más “calientes” de la zona metropolitana es Ecatepec y en la Ciudad de México sin lugar a dudas, el territorio más peligroso es Tepito. 

Asegura Deolarte que a pesar de contar con motos, cada vez es más difícil llegar “a tiempo” a la escena de un crimen, porque cuando llega la policía ya lo recogió todo” Antes de la llegada del alcoholímetro, el mayor número de muertos lo ponían los accidentes en auto, hoy los ponen las bandas del crimen organizado, por venganza, traición o rivalidades entre ellas. Deolarte dice estar contento, asegura que duerme perfecto, también es casado y tiene dos hijos universitarios. 

Ellos representan a diario la mirada del terror, estos fotógrafos son una muestra del talento visual que cobija sus páginas, son la prueba irrefutable de la entrega y adrenalina que hay detrás de cada imagen que a diario se publican en La Prensa.

Postales desde el Infierno

Por Ulises Castellanos

¡Qué costumbre tan salvaje esta de enterrar a los muertos!, ¡de matarlos, de aniquilarlos, de borrarlos de la tierra! Es tratarlos alevosamente, es negarles la posibilidad de revivir. Yo siempre estoy esperando a que los muertos se levanten, que rompan el ataúd y digan alegremente: ¿por qué lloras? 

Jaime Sabines 

La muerte tiene permiso y desde hace nueve décadas circula en las páginas de este diario. Se trata del “gusto por la autodestrucción” como lo apuntó alguna vez Octavio Paz. La Prensa nació en 1928, antes de que la Nota Roja inundará la narrativa nacional. 

Hoy este diario a sus 90 años es un rotativo de referencia nacional en la materia. La Nota Roja, por lo general polariza a la sociedad, provoca morbo, rechazo, angustia, ansiedad e incluso tristeza. Este diario nos acerca a las postales del infierno. Sabe a muerte y huele a tragedia. 

Mi relación con este diario es tétrica, recuerdo una mañana a finales de los 80´s cuando afuera del cementerio donde se velaba al padre de mi novia, la familia de ella me encargó comprar todos los ejemplares de La Prensa que rodeaban el cementerio; ello, porque en la contraportada del diario venían todas las fotografías del trágico accidente donde había muerto en carretera este hombre y las fotos eran insoportablemente gráficas; la familia no quería que los hijos se toparan con ese ejemplar mientras salían por un café a la vuelta de la esquina, en tanto hacían cenizas el cuerpo de su padre. 

Así compré mis primeros 30 ejemplares de La Prensa en un sólo día, así conocí el diario que dice lo que otros callan. Se trató de una inevitable compra de pánico. Finalmente no sabemos donde nos encontrará la muerte, por eso, lo mejor es esperarla en cualquier momento y en todo lugar. Al final no hay escape, y eso es lo que nos mantiene vivos y alertas. 

"Lo único que nos separa de la muerte, es el tiempo” : Ernest Hemingway 

La Nota Roja es un género dominado hoy en día por la imagen fija, sus fotógrafos son auténticos héroes de la imagen, imposible olvidar al maestro Enrique Metinides y la escuela que forjó; por aquí han desfilado cientos de miles de imágenes del terror; cómo olvidar en este género por ejemplo a la famosa revista Alarma que hizo del tema su única oferta editorial. 

Hoy aquella revista ya no existe, pero junto con este diario nos marcó a generaciones enteras. En lo personal, aquí vi mi primer muerto y no pude dormir en meses. 

"No es que me asuste la muerte. Es tan sólo que no quiero estar allí cuando suceda” : Woody Allen 

Cuenta la leyenda que en la Nueva España cuando la Inquisición reinaba por aquí, fueron ellos los que al anunciar una ejecución o sentencia alguna, colocaban en los portales del centro un Sello Rojo que daba cuenta del crimen y su castigo y de ahí la referencia a la Nota Roja por temas relacionados con muerte violenta. 

Fue a finales del siglo XIX, concretamente en 1899 que un diario de Guadalajara publicó las primeras notas al respecto con un tono rojo en sus páginas para llamar la atención del lector, cuentan incluso que el voceador recorría las calles con la historia del crimen del día, con ejemplares manchados de rojo por las manos de los impresores, con toda la intención de causar el mayor morbo posible. 

Se conoce también por ahí, una ilustración que hizo Posadas para un periódico que narraba el suicidio de una bella joven que se había suicidado, lanzándose al vacío desde una de las torres de la Catedral Metropolitana en el centro de la Ciudad de México. 

Sin embargo, no sería hasta los 30´s que la fotografía sería la protagonista indiscutible del horror a través de la mirada de los primero fotógrafos que incursionaron en el género Rojo. Vicente Leñero siempre nos decía, “el periodismo a fin de cuentas, es siempre pesimista”. 

Por eso las portadas de La Prensa dan cuenta del horror colectivo en el que cohabitamos, sus portadas son un recordatorio de nuestra fragilidad, su estilo siempre ha sido violento o agresivo, no hay de otra. Al final, sus portadas son un elogio al pesimismo.

“La muerte es dulce; pero su antesala, cruel.” : Camilo José Cela

De los archivos secretos de La Prensa, rescato estas líneas: “Lo atraparon una madrugada de octubre en su departamento de la colonia guerrero, cuando saciaba su hambre con la carne de su novia.” Así la narrativa del horror. La Nota Roja, como saben, es un género que narra la muerte trágica de cualquier ser humano a partir de un accidente fatal, desastres naturales, asesinatos pasionales o en la actualidad la muerte derivada del ajuste de cuentas entre bandas del crimen organizado. 

Pero, ¿A qué huele un muerto fresco?, muy pocos lo saben, básicamente intuyo que sólo dos personajes pueden describir ese aroma de muerte, el asesino involucrado o los reporteros y fotógrafos de la fuente. Un olor, me cuentan, que sólo puede percibirse en los primeros segundos a partir de una tragedia recién desencadenada, olor que se transforma en minutos cuando comienza la descomposición del cuerpo. 

“La muerte sólo tiene importancia en la medida que nos hace reflexionar sobre el valor de la vida.” : André Malraux 

Octavio Paz, definió en El Laberinto de la Soledad nuestro particular culto a la muerte en los años 50 en donde hace referencia a los encabezados de los diarios de nota roja: “Los Cristos ensangrentados de las iglesias pueblerinas, el humor macabro de ciertos encabezados de los diarios, ‘los velorios’, la costumbre de comer el 2 de noviembre panes y dulces que fingen huesos y calaveras, son hábitos, heredados de los indios y españoles, inseparables de nuestro ser. Nuestro culto a la muerte es culto a la vida, en anhelo de muerte. El gusto por la autodestrucción no se deriva nada más de tendencias masoquistas, sino también de una cierta religiosidad”. 

Hay quien sostiene que la muerte en si, no debiera preocuparnos, porque al final no seremos conscientes de ella, y mientras estemos vivos, la muerte no es. Por eso, conocer el desenlace de los otros, nos causa tanta angustia, y quizá al mismo tiempo nos da un respiro adicional: al final nosotros no somos los muertos. 

“Que injusta, que maldita, que cabrona la muerte que no nos mata a nosotros, sino a los que amamos.” : Carlos Fuentes 

Pienso que la Nota Roja es incómoda pero que se puede tratar con profesionalismo y de eso hay muchos ejemplos en este diario. Este es un periódico que tradicionalmente aguantaba su cierre hasta que llegará el muerto de las 10 de la noche. El fotógrafo referencia de este diario es sin duda el maestro Enrique Metinides, quien incluso es conocido ya, más allá de nuestras fronteras. 

Hoy el gran reto de los fotógrafos es siempre llegar de inmediato, sin embargo, a partir del auge de los celulares con cámara desde hace una década, surge un nuevo competidor, el testigo de los hechos y los elementos de rescate o policiacos que llegan antes a la escena, y son ellos los que ahora obtienen las imágenes más “frescas del muerto” ofreciéndolas al mejor postor. Por ello, el reto ahora radica en profesionalizar la cobertura y saber sintetizar, estar atento a la escena del crimen y narrar la historia de contexto con toda precisión. 

Atrás quedó el clásico “Matóla o violóla” hoy es necesario dar un extra, datos, contexto, historia del muerto, o del barrio y hacer imágenes creativas sin traspasar ciertas fronteras éticas que claramente muchas veces no se respetan o a nadie parece importarles. Hoy que nuestro país fracasa en el tema de seguridad y nos condena a coexistir con el infierno, les comparto un dato reciente de la Ciudad de México, aquí el crimen se ha duplicado en la última década, además de exhibir una brutalidad sin limite racional alguno. 

El problema de este auge de la violencia en México, es que normaliza su existencia y banaliza la muerte, restándole visibilidad a la compasión. Es un poco lo que sucede con las imágenes de las cajetillas de cigarros, no importa cuan dramáticas nos las presenten, ya nadie las ve ni se intimida a la hora de abrir su cajetilla. Se normaliza la imagen de la muerte y al final eso también nos mata de a poco. 

La imagen se vuelve líquida y se nos escurre entre las manos. Así nos pasa ahora con estos diarios, ha sido tal la exposición mediática a los muertos, atropellados , decapitados, ejecutados o desmembrados que cada vez nos impactan menos. Estas son las postales del infierno. La Prensa lleva 90 años narrando el terror. Y paradójicamente, hoy felicitamos a todos los que le dan vida a las páginas ensangrentadas de este diario tan particular. Por algo, el verbo morir, dicen, jamás se conjuga en primera persona. 

Reflexión de Aniversario publicada este día en el diario La Prensa

La portada del Sol

Por Ulises Castellanos

Ayer vivimos una jornada intensa, histórica y fabulosa. Regsitrar esos momentos es un privilegio. Hacerlo como lo hizo ayer Pedro Pardo de la AFP es además una fantasía.

Pardo hizo la mejor foto de aquel instante en el Zócalo después de horas de cobertura. Se llevo al menos dos portadas, pero en donde más luce su trabajo es en la de El Sol de México. 

Para lograr esto se suman tres fuerzas básicas de una redacción, la foto como materia prima, el diseño que le da fuerza ala propuesta y la decisión editorial de hacer cosas insólitas. 

Y aquí se conjuntaron las tres. Vivimos un momento de intensidad visual abrumadora, eso ya nadie lo duda. Nos enfrentamos diariamente con imágenes de calidad en muchas plataformas, adicionalmente los medios de comunicación —en su mayoría— ofrecen un mar de opciones visuales para todos los gustos. Sin embargo, ¿Estamos preparados para decodificar el lenguaje visual de manera profesional? 

La imagen de hoy que colocan en portada jerarquiza de manera excepcional lo que vivimos ayer, la llegada al Poder de un hombre especial que arrasa como nunca entre un electorado harto. Es inusual que un Virtual Presidente Electo salga a la calle para ser vitoreado por todos. Anoche en medio del caos final, hacer la foto que hizo Pedro Pardo no era fácil, implica concentración, tenacidad, ojo y mucho esfuerzo mental y físico. Ser profesional es eso, ser profesional. 

El fotoperiodismo se ha fortalecido en los últimos años frente a la competencia ciudadana que sólo tiene de su lado un celular y la oportunidad de tomar algo insólito pero sin entender el qué o el cómo. 

Hoy en día, la narrativa visual compite contra sí misma y frente a la escasez de espacios y tiempo para la contemplación. Por eso esta foto es una delicia, porque recupera la contemplación. Ayer fui parte de esa noche caótica y lo registre todo, pero Pedro nos rebasó a casi todos. 

Gran noche. Histórica jornada del primero de Julio de 2018.

Feliz de reencontrarme con muchos colegas y esperanzado en el futuro de nuestro país. 

Felicidades a todos, y en especial a los colegas de la redacción de El Sol de México. Su trabajo conjunto se plasma en esto.

La niña del Time

Por Ulises Castellanos

Una imagen recorre el mundo, es la portada del Time titulada Welcome to America. Se trata de una composición visual, sobre fondo rojo, en donde se contraponen por un lado la silueta de una niña centroamericana llorando con la mirada hacia arriba y del lado derecho, frente a ella y de perfil el Presidente Trump quien parece observarla con absoluta indiferencia.

Los últimos días han sido la peor pesadilla en términos de imagen para la administración de la Casa Blanca, sus indices de aprobación se fueron al piso, tanto en el interior de su país, como en Europa y no se diga ya, en el resto de América Latina.

Resulta que la foto en cuestión, es del colega norteamericano John Moore de Getty Images, quien lleva años trabajando sobre el tema migratorio en su frontera con México. 

La foto la tomó hace unos días en Texas y consigna el momento en que una madre Hondureña, de nombre Sandra Sánchez es detenida por la Patrulla Fronteriza. Desde 2010, el ha cubierto temas de migración. 

En 2013, con la reforma migratoria Moore decidió pasar la mayor parte del año registrando temas de seguridad fronteriza e inmigración en Arizona, Texas y Nueva York, donde actualmente reside. La niña que llora tiene apenas dos años de edad, su nombre es Denise Varela; según la propia información que ofrece Moore; dicha familia recién acababa de cruzar el Río Bravo desde México y una vez detenidos serían transportados al Centro de procesamiento de Aduanas y Protección Fronteriza de los Estados Unidos. 

Esta detención se da en el contexto de la política migratoria de "tolerancia cero" de la presente administración de Donald Trump, tan criticada por todo el mundo, dicha política para inmigrantes indocumentados exigía hasta ese momento “la separación de padres e hijos mientras se resuelven sus casos de asilo político”, un proceso que según expertos puede llevar meses o años. 

Hoy sabemos sin embargo, que esta niña en particular no fue separada de su madre ese día, así lo confirma el señor Valera desde Tegucigalpa quien se identificó como el padre de la niña. Esto dijo el presunto padre de la menor : “Mi niña ha sido símbolo de esa situación de separación de los niños en la frontera de Estados Unidos. Ha tocado, tal vez, el corazón del presidente Trump”. 

Y efectivamente, independientemente de su situación particular, esa foto se convirtió en un ícono del abuso de autoridad que ejerce la Patrulla Fronteriza en Estados Unidos. Esa niña en especial, se convirtió por un instante, en todas las niñas migrantes del mundo. 

Esta política de "cero tolerancia” ha separado a más de 2,300 niños de sus padres en la frontera entre México y Estados Unidos entre el 5 de mayo y el 9 de junio según diversas fuentes. Cabe agregar que esta imagen ayudó a recaudar alrededor de 17 millones de dólares en donaciones para “una organización sin fines de lucro con sede en Texas que brinda servicios de defensa legal a inmigrantes y refugiados”. 

Hay imágenes que están destinadas a permanecer en la memoria para siempre, y esta foto de John Moore es una de ellas. Time hace un trabajo estupendo de síntesis editorial, que resulta difícilmente comparable con ninguna otra publicación de circulación global. 

Por su parte, John Moore ha ganado merecidos premios a lo largo de su carrera. Por ejemplo, cuatro veces el World Press Photo. Obtuvo también la Medalla Robert Capa por su trabajo en Pakistán. Fue parte del equipo de AP que ganó el Pulitzer en 2005 por su cobertura en Irak y, como miembro del equipo Getty, fue finalista del Pulitzer en 2012 por Breaking News en su cobertura de la Primavera Árabe. Moore empezó su carrera en los noventa en Associated Press, primero con base en Nicaragua, India, Sudáfrica, una larga temporada en México y luego Egipto. 

Ha trabajado en más de 75 países de todos los continentes. Es sin duda uno de los mejores fotoperiodistas del mundo. Su foto no es un golpe de suerte, es resultado de años de trabajo. Finalmente, una prueba más, de lo importante que resulta el trabajo visual de los profesionales en este campo. Felicidades a Moore y a los editores del Time por esta combinación profesional tan poderosa. 

Para quien quiera seguir a John Moore en redes y conocer más sobre su trabajo, aquí su Instagram @jbmoorephoto

Rusia y futbol en PHotoESPAÑA

Por Ulises Castellanos

Madrid, España

En las últimas horas se abrieron dos magnas exposiciones, una que recoge la mirada de Magnum sobre el juego y la otra que nos presenta parte de un archivo monumental sobre la Rusia del siglo XX. La exposición de los fotógrafos de Magnum sobre el juego, curada por Martin Parr y Cristina de Middel, pretende mostrar la parte más lúdica de aquellos profesionales a través del concepto del juego.

Platicando con Cristina en la Fundación Telefónica durante el recorrido de la expo, en medio de imágenes a muro completo y videos vintage, Cristina me confiesa que la idea era mostrar la mirada de Magnum más allá de Robert Capa o Cartier-Bresson y fuera del contexto de guerra que ha hecho famosa a Magnum alrededor del mundo. Son 92 fotógrafos los que han contribuido a la mirada de Magnum desde su fundación en 1947.

No existe agencia más emblemática en el mundo de lo documental, que lo que representa Magnum, inspiración de decenas de proyectos similares en todo el mundo. Déjenme confiarles adicionalmente que la Fundación Telefónica ubicada en la Gran Vía, es un edificio hermoso de 5 plantas que me recordó al Museo Soumaya en México, la galería es hermosa y su montaje de primera. 

La expo rescata los distintos significados de la palabra Players y reúne imágenes en las que el juego domina de diferentes modos, -soccer, beisbol y rugby entre otros- ya sea en la acción que describe la imagen o en la propia actitud lúdica del fotógrafo. 

Esta exposición tiene una gran variedad de estilos de los fotógrafos de Magnum que, con su cámara y su trabajo, dan lugar a una multiplicidad de combinaciones sobre el concepto del juego, más allá de la seriedad de su trabajo en el campo de batalla. Hay que destacar que en medio de la imagen expandida que hoy abarca toda propuesta festivalera, esta muestra es un oasis para los que amamos la imagen documental. Por otro lado, este miércoles se abrió también en el Círculo de Bellas Artes tres exposiciones más entre las que destaco la mirada rusa titulada “El siglo soviético” del Archivo Lafuente (1917-1972). 

Imágenes de la construcción de una sociedad soviética desde su revolución hasta casi finales de la guerra fría. La sala Picasso de Bellas Artes, aquí en Madrid presenta una muestra que nos permite descubrir a los principales autores de las vanguardia soviética. Esta expo deriva de una colección formada por cerca de ochocientas fotografías fechadas entre 1917 y 1972 que constituyen un testimonio fundamental para entender la historia rusa del siglo pasado. 

La colección arranca desde la Revolución de 1917, la experimentación, “las políticas estalinistas de mejora económica del país a través de la industrialización”, el progreso y la calidad de vida o la Segunda Guerra Mundial. Son las miradas de Rodchenko, Yevgeny Khaldei, Georgi Zelma, El Lissitzky y Sergei Loskutov entre otros los que llenan la sala. 

En este contexto La Fábrica editó un libro que reúne 500 fotografías de esta muestra. Ambas exposiciones con sus respectivas diferencias se enmarcan en lo poco que se presenta en esta edición desde el punto de vista documental e histórico. 

Lo demás es imagen contemporánea que se presenta en múltiples formatos, de los que por supuesto también nos ocuparemos en las próximas entregas. 

Por lo pronto acá seguimos en un Madrid lluvioso que siempre sorprende, pero ya de regreso a México.

Imagen expandida

Directivos, patrocinadores y fotógrafos de la vigésima edición de PhotoEspaña en el Real Jardín Botánico de Madrid.

Por Ulises Castellanos

Esta semana ha quedado oficialmente abierta la más reciente edición del Festival de fotografía, PhotoESPAÑA 2018; ha sido una semana de inauguraciones, conferencias, laboratorios visuales, libros, premios y descubrimientos.

Claramente la fotografía está cambiando de paradigma, la imagen se expande y lo documental ya no es el tema que domina nuestra experiencia visual.

En esta edición nos ha tocado ver los extremos de una imagen líquida que se nos escurre entre las manos, si bien pudimos ver en la Fundación Telefónica, la muestra de los fotógrafos de Magnum, también fuimos testigos de trabajos fotográficos en espacios híbridos cerca de la exclusiva zona de Serrano. 

Resulta que una tienda de moda ubicada en la calle de Lagasca, presentó una expo de Maria Svarbová, titula Swimming Pool, y un diseñador llamado Del Pozo se inspiró en dichas imágenes para presentar toda una colección de ropa, que por supuesto está a la venta en la misma tienda, transformada temporalmente en galería. 

La combinación es explosiva, la fotos en tonos pastel son una belleza estética y esa propuesta derivada en ropa y accesorios se vuelve una locura experimental. 

La fotografía contemporánea está rompiendo fronteras, y aquí en Madrid se nota, de las 90 exposiciones disponibles, habré visitado unas 25 en esta semana y puedo confirmar que lo fotográfico esta reinventándose de una manera exponencial. 

Tanto los estudiantes egresados del Máster, clavados en sus historias personales, como lo de Carmen Calvo que interviene fotografías viejitas de álbum familiar para pegarles cucarachas o peluches hasta lo que se presentó en Casa Árabe sobre Marruecos, nos habla de una imagen expandida que hoy por hoy rompe todo paradigma preconcebido. 

Por cierto en este marco del Festival, debo agregar que la muestra de Graciela Iturbide, quien fue premiada en PhotoESPAÑA, presenta una retrospectiva fantástica de su obra y se ve muy bien en los muros de Alcobendas. Cada expo montada aquí es puesta con sumo cuidado y la curaduría es de primera. 

A media semana, en el Real Jardín Botánico fue la apertura oficial con la presencia de cintos de participantes, fotógrafos y entre ellos la directora de PhE la incansable Claude Bussac y el Presidente de La Fábrica, Alberto Anaut. 

Así las cosas, para cerrar la semana de inauguraciones, los colegas del New York Times, nos presentaron una expo que rescata el valor de lo periodístico, e incluso, imprimieron su catálogo en un formato de periódico, mismo papel y tamaño que su diario para contemplar la serie de imágenes que incluye a dos premios Pulitzer en la misma muestra. 

Un trabajo que me gustó también, fue el del argentino Esteban Pastorino, quien hace un trabajo estético sobre los aviones de Iberia, muy recomendable, sus imágenes descubren una infinidad de detalles y formas que solo con un ojo educado se pueden resaltar.  

En fin, como se los adelanté desde la semana pasada, esto es una fiesta para la imagen y así seguirá hasta el 26 de agosto de este año, expos, premios, libros y encuentros. 

Texto publicado hoy en El Sol de México (Junio 10, 2018)

Premios PHotoEspaña

Por Ulises Castellanos

Arranca bien la semana en PHotoEspaña. Este lunes los fotógrafos Samuel Fosso (Kumba, Camerún, 1962) y Leopoldo Zugaza (Durango, 1932) han sido galardonados respectivamente con los Premios PHotoEspaña y Bartolomé Ros.

Estas distinciones son las máximas concedidas por el Festival, y reconocen la trayectoria de grandes profesionales en el ámbito de la fotografía y las artes visuales. Samuel Fosso. Nació en Kumba, Camerún, cerca de la frontera con Biafra, entonces un estado independiente de facto dentro de Nigeria. Creció en este país vecino hasta que tuvo que huir a Bangui en la República Centroafricana en 1972 a causa de la Guerra Civil de Nigeria.

Cristina de Middel de PhotoESPAÑA 2018 le dedica una retrospectiva en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa: 'Una odisea africana’. Samuel Fosso inaugura esta semana en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa la muestra 'Una odisea africana', una completa retrospectiva de sus series más representativas desde los años setenta a la actualidad. En esta exposición el artista camerunés cuestiona la forma en la que tradicionalmente se han explicado cuestiones como el colonialismo o aspectos históricos del continente africano.

Coincidiendo con el 25 aniversario del nacimiento del PHotoMuseum de Zarautz, PHotoESPAÑA reconoció también esta semana con el Premio Bartolomé Ros a su creador, Leopoldo Zugaza por su impulso de la cultura en el País Vasco. 

El premio PHotoESPAÑA que fue dado a conocer aquí en Madrid, reconoce a Samuel Fosso como “uno de los máximos representantes de la fotografía africana actual”, entre otras cosas por su aproximación experimental a la fotografía y su personal uso del auto retrato como herramienta para denunciar los grandes problemas del continente africano. (su foto encabeza esta columna).

Con este Premio PHotoEspaña también han sido reconocidos en años anteriores: Cristina García Rodero, Harry Gruyaert, Paz Errázuriz, Ramón Masats, Bernard Plossu, Alberto García-Alix, Graciela Iturbide, Martin Parr, Robert Frank, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz y Josef Koudelka. 

El otro galardonado en estas primeras horas del Festival es Leopoldo Zugaza, nacido en Durango, Bizkaia en 1932, es editor, historiador y promotor cultural, Leopoldo, ha puesto en marcha innumerables proyectos culturales y ha sido un hombre clave en el desarrollo de la cultura en el País Vasco. Zugaza es “Fundador de la Feria del libro de Durango en 1963 y miembro destacado en el desarrollo del Museo de Bellas Artes de Bilbao, en 2016, el Gobierno le concedió la Medalla de Oro de Bellas Artes”. 

En la actualidad preside el Instituto Bibliográfico Manuel de Larramendi y publica las revistas De re bibliográfica y el Boletín del Programa de Estudios Vasco-Americanos. Así las cosas, esta semana arrancan las actividades del Festival, hoy recorreremos algunas de las muestras que se inauguran en la semana y por acá les contaremos los detalles.

Texto publicado hoy en El Sol de México (Junio 06, 2018)

PHotoEspaña: 20 Años a la Vanguardia

El Festival reúne para este año 90 exposiciones en donde participan más de 520 fotógrafos y artistas visuales que adicionalmente darán talleres, revisarán portafolios y promoverán sus fotolibros. (imagen de Cecil Beaton)

Por Ulises Castellanos

Ahí viene el verano y con él, el mejor Festival de fotografía en Iberoamérica: PHotoEspaña. El próximo 6 de junio se inaugura en Madrid esta fiesta para la mirada. A partir de la próxima semana y hasta el 26 de agosto tendremos un mosaico de imágenes que desbordarán nuestros sentidos.

PHotoEspaña nace en 1998 en un contexto en el que la fotografía no gozaba de un espacio propio en la agenda cultural de España, como tantas veces nos ha pasado en México, pero con la diferencia de que ellos si supieron consolidar la fuerza emergente de su talento local para crear el Festival más célebre en el mundo de habla hispana. 

Hoy, que cada mes se producen el mismo número de fotos que se realizaron en casi siglo y medio desde que se inventó la fotografía a lo largo de su periodo analógico; la posibilidad de seleccionar lo mejor en la era digital es una tarea titánica. 

PhotoEspaña reúne en distintas sedes, la diversidad de lo fotográfico, desde los clásicos, pasando por lo documental o lo periodístico, e incluso lo experimental en un contexto de reflexión y difusión absolutamente profesionales. 

Para esta nueva edición, viene una muestra que vincula la poesía con la imagen, un ejercicio que nos lleva a través de un recorrido cronológico que examina esta alianza desde principios del siglo XX hasta la actualidad, se trata de una exposición que incluye libros de poetas como Max Aub, Joan Brossa, Nicolás Guillén, Federico García Lorca, Miguel Hernández, Pablo Neruda, o Nicanor Parra, entre otros, así como imágenes de Martín Chambi, Wesley Duke Lee, Bernard Plossu, Leopoldo Pomés o Gustavo Thorlichen para apreciar el diálogo entre ambas disciplinas. 

Y por supuesto en año mundialista no faltará la mirada sobre el futbol; la muestra Los fotógrafos de Magnum miran al juego reúne 150 imágenes de los fotógrafos de la agencia sobre el deporte más popular del planeta. Esta exposición contempla el trabajo de Abbas, (fallecido este año), Susan Meiselas, Alessandra Sanguinetti, y Alex Webb entre otros. 

El Festival reúne también a Samuel Fosso, la admirada Graciela Iturbide y Chema Madoz entre muchos más; incluye una retrospectiva sobre la vanguardia rusa con imágenes de Ródchenko; y se incluye también una selección del británico Cecil Beaton, reconocido fotógrafo clásico del siglo XX que se ocupó de retratar a la realeza y celebridades de su tiempo. 

Hace más de una década que asisto y colaboro de distintas maneras con este enorme Festival y siempre regreso renovado. 

En medio de tanto ruido visual, reflexionar y replantearnos la imagen, siempre nos enriquece, siempre nos pule la mirada. Fotografiar el silencio sería un buen reto para entender la imagen a partir de lo complejo e infinito de sus posibilidades. 

La muestra Territorios imaginarios es una visión del mundo desde la mirada de la fotografía brasileña actual, esta expo presenta el trabajo de los fotógrafos seleccionados en los visionados anteriores celebrados en Sao Paulo dentro de su programa de Trasatlántica que ya cumple una década. En PhotoEspaña se presentan narrativas que juegan con la realidad en un espacio repleto de preguntas, críticas y placer para la mirada. 

La muestra El Siglo Soviético, presenta más de 800 fotografías que retratan la historia de Rusia desde la primer mitad del siglo XX, su industria, su cultura, las ciudades, la guerra y retratos de líderes y los protagonistas que participaron en la construcción del bloque soviético. Una de las mejores expos de esta edición. Cada año, PHotoEspaña pone sobre la mesa un menú fotográfico que combina los clásicos con imagen contemporánea para todas las audiencias. 

Es un encuentro que busca la reflexión de la imagen a partir de propuestas innovadoras y temas consolidados entre la comunidad artística y visual internacional. PHotoEspaña presenta fotografía documental y experimental de la mano de sus mejores representantes, también es un encuentro incluyente porque comparte audiencia y espacio con las 29 galerías de Madrid que promueven la versión Off del Festival. 

Adicionalmente, el próximo viernes 8, se presenta en La Cárcel un centro cultural de Segovia una muestra de fotografía periodística titulada: “Verdades difíciles” que recoge imágenes de The New York Times realizadas por los fotoperiodistas de ese diario norteamericano. 

Por otro lado, Descubrimientos PHE, es un foro que reunirá a más de 20 expertos y fotógrafos en visionados y talleres para compartir su experiencia con alumnos y nuevos talentos a lo largo del evento, sin dejar de lado, su oferta académica con el resultado de los trabajos de colegas que cursaron el Máster en fotografía que promueve dicho Festival. 

En resumen se trata de una fiesta para la imagen que reúne a miles de personas en torno a la foto fija, de ahí su importancia. 

Así las cosas, con más de 1,400 exposiciones montadas, -según refieren los propios organizadores- en estos 20 años de existencia, el Festival ha logrado una sólida presencia internacional que hace posible en cada cita, la creación de una propuesta que mezcla exposiciones, conferencias, libros, debates y actividades para todos, incluida por supuesto su plataforma de difusión que apoya a fotógrafos emergentes de toda Iberoamérica. 

Y es, en este contexto, que la mirada mexicana también estará representada por la talentosa Graciela Iturbide, documentalista de la que ya hablaremos en las siguientes entregas. Por lo pronto estimado lector, mientras usted amablemente lee estas líneas, nosotros ya estamos cruzando el Atlántico para compartirle lo que veamos por allá en Madrid a partir de la próxima semana. 

Y para quien quiera más detalles o ver algunas de las fotografías referidas, puede asomarse a la web del Festival: www.phe.es o aquí lo mantendremos informado. 

@MxUlysses 

Texto publicado hoy en El Sol de México (Junio 03, 2018)

2018. Un debate renovado.

Lo bueno, lo malo y lo feo del debate presidencial

Por Ulises Castellanos

Dicen que la idea original de armar el primer debate presidencial fue de Colosio.

A lo largo de nuestra historia, hasta antes del 2018; solo se habían realizado ocho debates presidenciales. Dos por año electoral en disputa por la Presidencia: 1994, 2000, 2006 y en 2012. Para 2018, la novedad son los formatos y el número de encuentros, esta vez serán tres y con un concepto absolutamente renovado.

El de ayer fue el décimo debate presidencial en casi un cuarto de siglo. Debo decir, que los he visto todos. Nuestro país se estrenó en los debates apenas hace 24 años.

Fue en 1994 cuando por primera vez debatieron Cuauhtémoc Cárdenas, Ernesto Zedillo y Diego Fernández de Ceballos. Aquel debate fue moderado por Mayté Noriega sin más encargo que dar la palabra a cada uno, sin intervención personal alguna.

Aunque el 11 de mayo del 94 hubo un mini debate previo con candidatos sin oportunidad reales de ganar, fue el 12 de mayo de 1994 el primero que se televisó en vivo y fue un debate totalmente acartonado, con un montón de restricciones y que finalmente ganó el Jefe Diego por su estilo y contundencia, sin embargo eso no le dió la victoria electoral ese año. 

Para el año 2000 vino la siguiente oportunidad, Fox, Labastida, Cárdenas, Manuel Camacho, Muñoz Ledo y Rincón Gallardo fueron los protagonistas. No quedó claro quién ganó aquel encuentro, apenas recordamos la queja de Labastida por que lo habían llamado “mariquita” y otras cosas, pero si sabemos que al final ganó Fox la Presidencia inaugurando la alternancia electoral en México. 

Para abril de 2006, López Obrador, el puntero de entonces se ausentó del primer debate, dejando solos a Calderón, Roberto Madrazo, Campa Cifrián y Patricia Mercado. Fue un debate más bien aburrido y que al final le costó mucho a la campaña de Obrador, ese año Calderón le ganó por nada al tabasqueño. 

Para el 2012, justo el 6 de mayo de aquel año, debaten Josefina Vázquez Mota, Gabriel Quadri, Peña Nieto, y López Obrador, sin embargo, lo único que recordamos de aquel encuentro es a una espectacular edecán -Julia Orayen- quién robó cámara durante el arranque del debate. Lo demás es historia. 

Ahora observamos este segundo debate en Tijuana y ya sin Margarita en el panel, derivado de su renuncia a la candidatura independiente. 

Así las cosas, este debate entre cuatro, vuelve a centrar la atención sobre todas las ofertas políticas para gobernar nuestro país. Ahora tenemos a Andrés Manuel López Obrador arriba en todas las encuestas, a Ricardo Anaya y José Antonio Meade luchando por el segundo lugar y al único candidatos independiente que queda, al Bronco en el sótano de las preferencias electorales. 

Hay que reconocer, que después de 24 años años algo han mejorado las cosas, el INE mejoró el formato, público en el foro, periodistas nuevos y un formato más ágil. 

Ahora además, la gran novedad es que la televisión perdió el monopolio de la audiencia, ahora los debates se ven en Periscope, Facebook, en nuestros dispositivos y si acaso en la tele que queda en casa. Esto les da la oportunidad a los equipo de campaña de contrarrestar golpes en redes o potenciar los éxitos que de ahí se deriven. 

Pero ¿cómo les fue en manejo de imagen? Empezaron fríos, y el formato del debate los tomó desorientados. León Krauze excelente. 

La dinámica intensa, todo bien, la gente, el manejo de cámaras y el concepto general, mucho mejor que cualquier modelo anterior. Quizá hemos presenciado el mejor debate de todos los tiempos, este concepto nos permitió conocerlos un poco más, ver quien presenta generalidades, quién trae datos y quién es capaz de confrontar. 

Este formato permite ver el talante, la capacidad de reacción de cada uno y sin duda permite valorar o reflexionar la idea de por quién votará cada mexicano en esta nueva oportunidad electoral. Sin duda Andrés Manuel fue el más atacado y es lógico, Anaya y Meade empataron en intercambios y el Bronco fue el único ignorado. 

En este formato Ricardo Anaya como pez en el agua, sin alterarse, manejando muy bien los tiempos y con un traje a la medida; sin mover un músculo y con la dificultad de siempre para ser sintético, eso si, Anaya decidió atacar claramente a Obrador como en su video imitando a Rocky Balboa. 

José Antonio Meade vino de menos a más, pero le faltó contundencia, todavía no se desprende de ese rol de secretario de Estado que ha ejercido durante años. Pero sin duda, es un personaje que está informado y el que mejor dominaba los datos sobe la marcha. 

Andrés Manuel presentó 20 propuestas y replicó al menos una docena de veces a quién lo atacó. En algún momento casi se engancha, por fortuna para él, se contuvo. 

La imagen donde Anaya confronta a López Obrador fue fuerte y a cuadro se veían los dos, enorme novedad contra lo visto antes en cualquier debate, fue cuando el Peje sacó a relucir lo de la cartera. 

El Bronco aprovechó también el formato, pero creo que no vale la pena ocuparse de un candidato sin oportunidad alguna. El Bronco es una vergüenza nacional, punto.

En twitter a los 45 minutos llego al millón de usuarios, pero hacía el final se revisaron los 2 millones 400 mil tuits sobre el debate usando el Hashtag #DebateINE otra novedad, los memes y reflexiones en redes sociales. Hay que decirlo, 

Anaya mostró en todo momento seguridad y dominio total del escenario, remataba siempre justo al final de cada segundo asignado; Meade de manera cómoda ese fue moviendo en el escenario, y Andrés Manuel López Obrador a ratos se notaba incómodo, mientras el Bronco de risa loca, solo planteaba ocurrencias. 

El escenario, en esta ocasión fue una cancha de basquetbol en la UABC, mucho mejor iluminado que el anterior debate en Mineria, con mejor color y movimientos de cámara. Ahora si los chicos que organizaron esto o hicieron mejor. 

Sin duda este formato nos descubrió de otra manera a cada uno de los candidatos. Más cercanos a lo humano y en dónde el control y autocontrol eran claves. 

Quizá este debate mueva en algo los números, sobretodo entre quienes disputan el segundo lugar. 

León Krauze sorprendió mostrando la imagen de un dreamer para formular una de sus preguntas. También innovando en la moderación, incisivo y preciso. Ricardo Anaya aprovecha bien el tiempo y el poder de la imagen, fue contundente al presentar una imagen de cuando se encontraron el presidente Peña y el candidato Trump en los Pinos. 

Pero lo más divertido fue cuando a las 23:05 López Obrador saca la portada del semanario Proceso del día, que le dedican a Anaya y entonces Ricardo le revira presentado dos portadas, una que le dedicaron a Meade y otra a López Obrador, en ediciones viejas, es decir, cada uno con su portada favorita de Proceso. O dicho de otro modo, cada uno con la portada que le conviene. 

Por lo demás, los cuatro formales, trajeados y serenos, quizá los dos más pasionales sean AMLO y Anaya. Habrá que ver como se mueven ahora las encuestas. 

Eso si, los temas pactados no eran el Top Ten de nuestros problemas en México, y claramente a la mayoría de ellos, salvo Meade, esos temas los tienen relegados a un segundo plano. Sin embargo, fue relevante escucharlos sobre fronteras, migración, TLC y Trump. 

Lo bueno, el formato y la dinámica. León Krauze excelente. Lo malo, la demagogia de todos, nunca dicen exactamente lo que piensan. Lo feo, la falta de propuestas concretas y el rígido manejo de los tiempos para ciertos temas. 

Pero fuera de esto, estupendo debate con tensión renovada a 40 días de la elección. Y para ustedes ¿quién ganó este debate?

Texto publicado el 21 de Mayo de 2018 en Político.Mx 

La Princesa Roja

Elena Poniatowska en la mirada de Carlos Aranda

Por Ulises Castellanos

Elenita Poniatowska nació en París un 19 de mayo de 1932. Destinada a ser Princesa, ella escogió el arduo camino del periodismo. Paula su madre, se casó con un príncipe polaco llamado Jean Evremont Poniatowski Sperry.

La madre de Elena, decide refugiarse en México frente al caos de la segunda guerra mundial, y abandona Europa en 1942. 

Elena rondaba los diez años de edad cuando pisó tierra mexicana por primera vez. Muchos europeos llegaron a México en aquella época; mi propia abuela Omi, alemana de nacimiento, quien también llegó por aquellos años a Veracruz; decía que la mayoría de los europeos que llegaban en barco en aquella época creían que estaban desembarcando en alguna costa africana. 

En mi caso, un mexicano nacido en 1968, el primer libro que tuve en mis manos sobre la masacre de Tlatelolco, fue precisamente el de Elena Poniatowska, desde entonces se de ella y mi admiración nace con ese primer libro. Ese primer libro me lo regaló mi padre al terminar la primaria. 

Elena ha entregado su vida a escribir crónica, novelas, cuento, artículos y entrevistas. Pero lo que hace única a Elena es que además de escribir novela también ha estado atenta al devenir social en México y de ello también a dado cuenta. De ahí el reconocimiento y cariño del que goza en nuestro país. 

En 2011 Elena gana el Premio Biblioteca Breve con la novela Leonora y en 2013 se convierte en la cuarta mujer en obtener el Premio Cervantes. Su primer trabajo fue como secretaria bilingüe, y empezó a colaborar en Excélsior en 1953 escribiendo crónicas de sociales. Un año después se incorpora a Novedades, donde seguiría publicando su columna y una serie de entrevistas con artistas de la época durante muchísimos años. 

Para 1955 nace en Roma, Emmanuel su primer hijo. En 1968 contrae matrimonio con Guillermo Haro, a quién había conocido en una entrevista que le había hecho diez años antes; con Guillermo tiene dos hijos más: Paula y Felipe. Bajo el mandato de Luis Echeverría, Elenita ganó el premio literario Xavier Villaurrutia en 1971 por “La noche de Tlatelolco”, pero ella obviamente lo rechazó. 

En 1979 cuando gana el Premio Nacional de Periodismo. 

Después vendría el terremoto de 1985 y sus crónicas de damnificados que darían cuerpo al libro, “Nada, Nadie”; más adelante vendrían sus textos sobre el conflicto de Chiapas en 1994. En 1992 publicó Tinísima una novela que le llevo una década escribir. 

Ha recibido los doctorados Honoris Causa por la UAM y la UNAM, las universidades de Guadalajara y la Complutense de Madrid. También por las Universidades de Columbia y por la de Miami, entre otras distinciones, como el reconocimiento de la Legión de Honor que le otorgó el gobierno francés en 2003 entre muchísimos otros. 

Es en 2011 cuando se crea la Fundación Elena Poniatowska con los objetivos de organizar y preservar el archivo histórico de la escritora y su familia, es ese mismo año cuando recibo la invitación a incorporarme a este noble proyecto que sólo por la tenacidad y dedicación de Felipe Haro, su presidente es que ahora este proyecto se convierte en realidad. 

Es por ello que hoy estamos orgullosos de poder arrancar con las actividades de la Fundación que preside el querido Felipe Haro quien en estos días me refrendó el honor de invitarme a encabezar el área académica de esta institución para apoyar a los grupos sociales que Elena ha registrado con su obra y promover también el debate público sobre la cultura en nuestro país. Pronto anunciaremos las primeras actividades. 

Por ahora va un fuerte abrazo a Elena Poniatowska por su cumpleaños con la certeza de que lo celebra en familia en medio de un enorme cariño cosechado por décadas. Felicidades !!!